FONTANA Lucio

Con Lucio Fontana, el lienzo deja de ser solo una superficie sobre la que pintar: puede perforarse, cortarse y ser atravesado por el espacio. Esta transformación convierte su investigación en uno de los momentos decisivos del arte del siglo XX. Fundador del espacialismo, Fontana no busca simplemente una nueva imagen, sino una nueva relación entre obra, materia, luz y entorno, superando las separaciones convencionales entre pintura y escultura.

De la escultura a la concepción espacial

Fontana nace en Rosario, Argentina, el 19 de febrero de 1899, en una familia de origen italiano. Su padre, Luigi, dirige un taller de escultura y le transmite una primera familiaridad con el oficio. Tras estudiar en Italia y participar en la Primera Guerra Mundial en el ejército italiano, el joven artista regresa a Argentina y trabaja como escultor. En 1928 vuelve a Milán y asiste a la Academia de Brera, donde estudia con Adolfo Wildt. Su investigación parte de la figura, pero pronto se abre a la deformación, el movimiento y soluciones cercanas a la abstracción. En 1930 presenta una exposición individual en la Galería del Milione.

En los años treinta la cerámica se convierte en un campo esencial de experimentación. En Albisola, y posteriormente también en Francia, Fontana modela figuras, animales y composiciones abstractas, interviniendo con energía en las superficies y utilizando esmaltes de colores intensos. La experiencia directa de la materia prepara una concepción de la obra como presencia física en el espacio. Durante los años cuarenta esta intuición adquiere una forma teórica: en 1946, en Buenos Aires, Fontana contribuye al Manifiesto Blanco; en 1947, en Milán, se publica el primer manifiesto espacialista. Según esta perspectiva, el nuevo arte debe afrontar las posibilidades que abren la luz, el movimiento, la tecnología y el espacio real.

Ambientes, Agujeros y Cortes

En 1949 Fontana crea el Ambiente espacial con luz negra, en el que las formas suspendidas y la iluminación ultravioleta transforman el espacio percibido por el visitante. Ya no se trata de observar un objeto aislado: el espectador entra físicamente en la obra. En el mismo período comienzan los Agujeros, intervenciones que perforan la superficie de los Conceptos espaciales. La profundidad no se simula con la perspectiva, sino que se hace concreta mediante la abertura en el lienzo.

A finales de los años cincuenta aparecen los célebres Cortes, a menudo asociados al título Concepto espacial, Expectativas. Uno o varios tajos atraviesan lienzos frecuentemente monocromos, creando una relación esencial entre color, superficie y vacío. El gesto, solo en apariencia sencillo, nace de una preparación precisa e introduce una dimensión adicional al plano pictórico. El rojo, el blanco, el amarillo, el negro y los demás tonos utilizados no describen objetos: definen el campo visual en el que el corte adquiere fuerza.

La investigación de Fontana no se limita a estos dos inventos. En las Piedras aplica fragmentos de vidrio coloreado que capturan y reflejan la luz; en los Yesos y los Óleos experimenta con relieves, espesores, incisiones y perforaciones. Entre 1963 y 1964 realiza El fin de Dios, una serie de grandes lienzos ovalados perforados cuya forma puede evocar un huevo y una dimensión primordial. En los Teatrinos de mediados de los años sesenta, en cambio, unos marcos moldeados delimitan superficies monocromas y sugieren pequeños escenarios en los que la forma y la profundidad vuelven a confrontarse.

Obras sobre papel, reconocimiento y legado

Junto a las obras plásticas y los ambientes, Fontana realiza dibujos, grabados, litografías y serigrafías. También en la obra gráfica, el trazo y la superficie son cuestiones centrales, pero cada ejemplar requiere una identificación técnica correcta. Una fotografía de un lienzo cortado, impresa en papel, no equivale a un corte realizado físicamente por el artista. Para las ediciones, conviene verificar, cuando estén disponibles, la firma, la tirada, el editor y las referencias catalográficas, distinguiendo la obra gráfica original de una simple reproducción.

Su investigación obtiene reconocimiento internacional y, en 1966, Fontana recibe el Gran Premio de pintura en la Bienal de Venecia. Muere en Comabbio el 7 de septiembre de 1968. El alcance de su obra va más allá de la imagen icónica del lienzo cortado: consiste en haber demostrado que el espacio no tiene que representarse necesariamente, porque puede convertirse en parte integrante de la obra misma.