Domenico Cantatore

En 1922 dejó Puglia para trasladarse primero a Roma, donde alcanzó a su hermano Giuseppe Cantatore, también pintor, y posteriormente a Milán en 1925. Fue precisamente en la capital lombarda donde comenzó a pintar con empeño y a frecuentar los ambientes culturales ligados al movimiento artístico y literario "Corrente". Su primera exposición individual se celebró en 1930 en la Galería de Arte Moderna de Milán, marcando el inicio de su carrera pública.
En Milán estableció importantes lazos de amistad con figuras destacadas de la cultura italiana, como Carlo Carrà, Leonardo Sinisgalli, Alfonso Gatto, el poeta armenio Hrand Nazariantz, y el futuro Premio Nobel Salvatore Quasimodo. Entre todos, sin embargo, estuvo particularmente unido a Raffaele Carrieri, también pugliese. Fue gracias a un amigo que, en 1932, Cantatore se trasladó a París, donde conoció de cerca el arte de los impresionistas y las obras de Picasso, Modigliani, Matisse y los fauves. En la capital francesa estrechó relaciones con artistas italianos como Carlo Levi y Filippo de Pisis.
La estancia parisina fue fundamental para su evolución estilística, aunque de la producción de esos años solo quedan un cuaderno y algunas puntasecas. Regresó a Milán en 1934, donde expuso los dibujos realizados en París en la Galería del Milione, obteniendo un creciente reconocimiento crítico.
En 1940, por clara fama, se le asignó la cátedra de Figura en la Academia de Brera, sucediendo a Aldo Carpi. Enseñó allí hasta 1976, cuando cedió el cargo a su alumno Natale Addamiano. Su docencia fue apreciada por la capacidad de conjugar rigor académico e inspiración poética, cualidades que lo hicieron muy querido por los estudiantes.
En la posguerra, el encuentro con Giorgio Morandi en 1948 influyó aún más en su lenguaje pictórico, llevándolo hacia una mayor sobriedad y adhesión a lo real. En el mismo período, participó en importantes manifestaciones artísticas como el Premio Bergamo, la Bienal de Venecia y la Cuadrienal de Roma, donde en 1955 también formó parte de la comisión de invitaciones.
En 1956 viajó a España, experiencia que reforzó su atracción por los colores cálidos y luminosos del Mediterráneo. Desde ese momento, y durante todos los años siguientes hasta los años 80, el Sur de Italia se convirtió en protagonista absoluto de su pintura: paisajes colinarios, atardeceres ardientes, ritos religiosos, cofradías y figuras humanas esculpidas por el esfuerzo y la devoción.
La figura femenina desempeñó un papel central en su producción, a menudo representada con elegancia y espiritualidad. Su "odalisca", mujer sensual y misteriosa, se convirtió en uno de los sujetos más amados y reconocibles de su arte. Al mismo tiempo, no descuidó la dimensión literaria: escribió relatos y memorias como El pintor de habitaciones (1944) y Regreso al pueblo (1966), obras que testimonian su profundo vínculo con las raíces pugliesas.
En 1965 Ruvo di Puglia le dedicó una gran manifestación en su honor, a la que también asistió Quasimodo. Durante el evento, recibió una medalla de oro y se proyectaron documentales sobre su vida. Mientras tanto, continuaba exponiendo en Italia y en el extranjero, cultivando amistades con artistas ligados al fauvismo, y frecuentando habitualmente lugares como Montefiore dell’Aso en Las Marcas, fuente de continua inspiración. Precisamente en señal de agradecimiento hacia ese pueblo, donó al Ayuntamiento una valiosa colección de obras gráficas, hoy custodiada en el Polo Museale de San Francesco.
Domenico Cantatore murió en París el 22 de mayo de 1998, mientras visitaba los lugares de su juventud. Tenía 92 años. Su legado artístico comprende pinturas, escritos, pero también una vasta y valiosa producción de gráfica de autor, que lo sitúa entre los maestros italianos del siglo XX.

Domenico Cantatore obras

La obra pictórica de Domenico Cantatore se distingue por la armonía entre forma y color, y por una poética que devuelve dignidad y belleza a las escenas cotidianas del sur de Italia. Sus lienzos cuentan una realidad a menudo olvidada: mujeres de negro, hombres doblados por el trabajo, procesiones religiosas, paisajes soleados e interiores íntimos. Sus sujetos, estilizados pero cargados de humanidad, se mueven en espacios esenciales, suspendidos entre memoria y símbolo.
El estilo de Cantatore ha atravesado diversas fases, pero ha mantenido una coherencia expresiva fundada en un uso personal de la línea y en una paleta cálida y luminosa. Fuertemente influenciado por la cultura visual mediterránea y por los maestros franceses, supo fundir modernidad y tradición, convirtiéndose en uno de los intérpretes más profundos del siglo XX pictórico italiano.
Trabajó sobre diversos soportes y técnicas, incursionando también en grandes decoraciones murales, ilustraciones, grabados y frescos. Muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, expuestas en museos, fundaciones y galerías en toda Europa.

Domenico Cantatore litografías

Un capítulo particularmente importante en la carrera de Domenico Cantatore es el dedicado a la gráfica de autor. El artista se enfrentó con maestría a técnicas como el aguafuerte, la aguatinta, la punta seca y, sobre todo, la litografía. Esta última le permitió explorar con libertad y elegancia su figura más icónica: la odalisca.
Las litografías dedicadas a las odaliscas representan un vértice de su imaginario poético. En estas obras, Cantatore representa figuras femeninas recostadas, a menudo desnudas o semivestidas, inmersas en una atmósfera onírica y suspendida. Las líneas suaves, los contornos sinuosos y el trazo gráfico refinado devuelven una sensualidad contenida, nunca ostentosa, rica en misterio y espiritualidad.
Las odaliscas de Cantatore no son solo mujeres, sino arquetipos. Recuerdan divinidades paganas, madonas laicas, o simplemente musas silenciosas que parecen aflorar de un sueño del Sur. El uso sabio del color en las litografías, a veces limitado a pocos tonos, valoriza los volúmenes de los cuerpos y el equilibrio compositivo, expresando un sentido de gracia inmóvil.
En estas obras, el vínculo entre artista y técnica es evidente: la litografía se convierte no solo en medio expresivo, sino en lenguaje autónomo, capaz de devolver todas las matices emocionales de su arte. Las odaliscas permanecen entre los sujetos más apreciados y coleccionados de toda la producción cantatoriana, testimonio de su capacidad para conjugar el dibujo con la sensualidad clásica y la visión mediterránea de la figura.