GIUSEPPE CAPOGROSSI

1927 unternimmt Capogrossi seine erste von vielen Reisen nach Paris, wo er tiefgreifend von Künstlern wie Pablo Picasso, Amedeo Modigliani und Pierre-Auguste Renoir beeinflusst wird. In diesem kosmopolitischen Umfeld entwickelt er eine gegenständliche und tonale Malerei mit Anklängen an die klassische italienische Kunst und beginnt einen Weg, der ihn in den internationalen Kunstkreis einfügt. Seine erste Ausstellung findet im selben Jahr in Rom statt, gefolgt von der Teilnahme an der XXVII Biennale di Venezia im Jahr 1930.
1932 stellt er zusammen mit Corrado Cagli, Emanuele Cavalli und Eloisa Michelucci in der Galleria Roma aus und etabliert sich als einer der führenden Vertreter der Römischen Schule. Der Kritiker Waldemar George prägte für diese Gruppe den Begriff "École de Rome". Im folgenden Jahr nimmt er an der berühmten Pariser Ausstellung in der Galleria Bonjean teil. In dieser Zeit unterzeichnet Capogrossi das "Manifest des Plastischen Primordialismus", was einen grundlegenden Moment in der theoretischen Auseinandersetzung mit der gegenständlichen Kunst markiert.
In den 1930er und 1940er Jahren entwickelt Capogrossi eine immer persönlichere Sprache. Seine Malerei wird farblich lebendiger mit intensiven Rot-, Violett- und Orangetönen, und sein Pinselstrich wird zunehmend dynamischer. Ab 1947, nach einer kurzen Phase kubistischer Experimente, verlässt er allmählich die Figuration und nähert sich einer strengen und innovativen abstrakten Sprache an. 1950 ist er Mitbegründer der Gruppo Origine zusammen mit Mario Ballocco, Alberto Burri und Ettore Colla, mit denen er eine Vision von reiner Kunst teilt, fern von jeglicher Rhetorik.
Von diesem Moment an entwickelt der Maler Capogrossi ein eigenes visuelles Alphabet, das auf einer wiederkehrenden Form-Zeichen basiert, die er in unendlichen Variationen moduliert, um den Raum des Bildes zu strukturieren. Diese abstrakte Forschung wird erstmals 1950 in einer epochalen Ausstellung in der Galleria del Secolo in Rom gezeigt. Es folgen Kooperationen mit Carlo Cardazzo, dank dessen die KUNSTWERKE von Capogrossi auch systematisch außerhalb Italiens zirkulieren.
Im Laufe seiner Karriere nimmt Capogrossi an zahlreichen internationalen Ausstellungen teil: Documenta in Kassel, Biennale di Venezia (wo er 1962 den Preis für Malerei erhält), Biennale di San Paolo, und 1951 ist er der einzige italienische Künstler, der zur Ausstellung „Véhémences Confrontées“ in Paris eingeladen wird. Seine Gemälde gelangen in bedeutende Museumssammlungen wie die Guggenheim Stiftung in New York und die Collezione Peggy Guggenheim in Venedig.
Neben seiner unermüdlichen Experimentierfreude hat Giuseppe Capogrossi auch eine bedeutende Lehrtätigkeit: Er unterrichtet Zeichnen am Liceo Artistico in Rom von 1940 bis 1966 und hält anschließend den Lehrstuhl für Dekoration an der Akademie der Schönen Künste in Neapel bis 1970. Er stirbt am 9. Oktober 1972 in Rom. Zur Bewahrung und Verbreitung seines Erbes wird die Fondazione Archivio Capogrossi gegründet, die einen umfangreichen dokumentarischen und bibliografischen Bestand bewahrt.

GIUSEPPE CAPOGROSSI KUNSTWERKE

Bevor Giuseppe Capogrossi zur abstrakten Malerei gelangt, durchläuft er eine lange und intensive figurative Phase, die grundlegend ist, um die Entwicklung seiner visuellen Sprache zu verstehen. Die kunstwerke von Capogrossi aus dieser Zeit (1927–1949) zeichnen sich durch eine formale Vereinfachung, eine lebendige Farbuntersuchung und ein starkes Interesse an der menschlichen Figur aus.
Einer der interessantesten Aspekte des figurativen Malers Capogrossi ist seine Aufmerksamkeit für die weibliche Figur. KUNSTWERKE wie „Figura in riposo“ und seine berühmten „Ballerine“ zeigen bereits eine Tendenz zur Abstraktion, mit vereinfachten Volumen und ausgewogenen Kompositionen, in denen die zukünftige Transformation seiner Sprache erkennbar ist.
Parallel dazu verfeinert Capogrossi eine reiche und lebendige Farbpalette mit leuchtenden Tönen, die seinen Leinwänden expressive Kraft verleihen. Seine Einflüsse reichen von Cézanne bis zu den französischen Meistern des 20. Jahrhunderts, jedoch gefiltert durch eine ganz italienische Sensibilität. Diese figurativen Arbeiten, heute einem breiten Publikum weniger bekannt, sind dennoch grundlegend, um die Tiefe und Kohärenz der künstlerischen Forschung von Giuseppe Capogrossi zu verstehen.
Ab den 1940er Jahren zeigen seine Gemälde eine progressive Reduktion des visuellen Elements, in einem allmählichen Übergang zu synthetischen Formen und wesentlichen Zeichen, die der Erfindung seines berühmten „abstrakten Zeichens“ vorwegnehmen, einem wiederholten und variierten Modul, das den Kern seines reifen Werks bildet.

GIUSEPPE CAPOGROSSI QUOTAZIONI

Im Panorama der modernen italienischen Kunst bleiben die Preise für Capogrossi hoch und stabil, sowohl für seine figurativen Arbeiten als auch für die abstrakten kunstwerke. Die Gemälde von Giuseppe Capogrossi aus der abstrakten Phase, insbesondere jene der Serie „Superficie“ (begonnen um 1949), gehören zu den gefragtesten auf dem internationalen Markt, mit Auktionsergebnissen, die häufig Hunderttausende von Euro übersteigen.
Auch die kunstwerke der figurativen Periode, wenn auch weniger bekannt, erleben eine kritische und kommerzielle Wiederentdeckung dank retrospektiver Ausstellungen und der Wertschätzung durch die Fondazione Archivio Capogrossi. Besonders die Gemälde mit weiblichen Figuren oder intimen Szenen, die mit der Römischen Schule verbunden sind, wecken neues Interesse bei Sammlern und Galeristen.
Die Gemälde von Capogrossi sind in bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen weltweit vertreten, und die Anerkennung seines Beitrags zur informellen Kunst stellt ihn neben Giganten wie Lucio Fontana und Alberto Burri. Die positive Entwicklung der Preise für Capogrossi spiegelt die Bedeutung des Künstlers in der Geschichte der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts sowie die Kohärenz und Originalität seiner künstlerischen Forschung wider.
Giuseppe Capogrossi ist nicht nur einer der Hauptakteure der abstrakten Kunst in Italien, sondern auch ein Meister, der es verstand, formale Strenge und expressive Freiheit in einem kohärenten, tiefgründigen und heute aktueller denn je gewordenen künstlerischen Weg zu verbinden.