GASTINI Marco

Die Malerei von Marco Gastini geht von einer Frage aus, die einen großen Teil der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts durchzieht: Wo endet das Bild und wo beginnt der Raum, der es umgibt? In seinen kunstwerke beschränkt sich die Farbe nicht darauf, eine Fläche auszufüllen, und das Zeichen dient nicht dazu, ein Motiv zu beschreiben. Steine, Glas, Metalle, Holz und Pigmentspuren treten in Beziehung zur Wand, zum Licht und zur Position des Betrachters. Das Ergebnis ist eine strenge, aber keineswegs kühle Forschung, in der das Material seine physische Präsenz bewahrt und die Malerei zu einer Raumerfahrung wird.

Von der Ausbildung in Turin zur Erforschung des Zeichens

1938 in Turin geboren, begegnet Gastini der Konkretheit der Materialien schon früh in der Werkstatt seines Vaters, eines Steinmetzes. L'Die Erfahrung mit Steinen, ihrem Gewicht und ihren Oberflächen ist nicht einfach nur eine Episode aus seiner Jugend: Sie hilft zu verstehen, warum der Künstler die Malerei auch dann, als seine Sprache immer prägnanter wird, weiterhin als ein materielles Geschehen und erst danach als Bild betrachtet. Nach dem Besuch des Kunstgymnasiums studiert er an der Accademia Albertina di Belle Arti und schließt sein Studium 1960 ab. Seine frühen figurativen und spätinformellen Arbeiten gehören zu einem kulturellen Klima, in dem viele italienische Künstler versuchen, sowohl die traditionelle Darstellung als auch die gestische Ausdruckskraft des Informel zu überwinden.

In den sechziger Jahren wird dieses Bedürfnis immer deutlicher. Gastini reduziert die beschreibenden Elemente, lässt das Weiß des Bildträgers hervortreten und richtet die Aufmerksamkeit auf Spuren, Zwischenräume und minimale Präsenz. Es geht nicht darum, das Bild zu verarmen, sondern seine Existenzbedingungen wahrnehmbar zu machen: Was geschieht, wenn ein Zeichen auf eine Oberfläche trifft, wie viel Raum benötigt es und wie verändert sich seine Intensität im Verhältnis zur Leere? Zwischen 1967 und 1968 experimentiert er mit Sprühfarbe und erzielt leichte, beinahe schwebende Spuren, die die traditionelle Substanz des Pinselstrichs abschwächen. Die 1968 in der Galleria Il Punto in Turin gezeigten Arbeiten bezeugen diese allmähliche Verlagerung des Interesses vom Bild zum Malprozess.

Die Analytische Malerei und der Ausbruch aus dem Bild

Sein Werk wird der Analytischen Malerei zugeordnet, die in den 1970er-Jahren die grundlegenden Elemente des Malens untersucht: Bildträger, Farbe, Geste und Oberfläche. Gastini teilt dieses Interesse, führt es jedoch in eine persönliche Richtung. Die Leinwand genügt ihm nicht mehr als geschlossener, in sich abgeschlossener Raum; ihn interessiert vielmehr die Möglichkeit, dass die Malerei in direkten Bezug zur Wand und zur Umgebung tritt. Die Einführung von Plexiglas im Jahr 1969 ist entscheidend: Die Transparenz des Trägers lässt die dahinterliegende Wirklichkeit an der Wahrnehmung teilhaben und macht die Unterscheidung zwischen Werk und umgebendem Raum weniger eindeutig.

Anfang der Siebzigerjahre nehmen auch Blei und Antimon Eingang in sein Vokabular. Die Verwendung dieser Materialien ist nicht dekorativ motiviert: Ihr Gewicht, ihre Dichte und ihr Verhalten auf der Oberfläche schaffen eine physische Auseinandersetzung mit den malerischen Zeichen. Parallel dazu zeigen Zeichnungen mit Kohle und Pastell, wie eine Linie oder eine vereinzelte Spur im Raum wirken kann, ohne eine Figur zu bilden. Die Leere wird zu einem aktiven Bestandteil der Komposition, und die Beziehung zwischen weit auseinanderliegenden Elementen gewinnt dieselbe Bedeutung wie das materiell Vorhandene.

In den folgenden Jahren führt dieses Konzept Gastini dazu, kunstwerke zu entwickeln, die über die konventionellen Grenzen des Bildes hinausgehen. Die Wand ist nicht mehr nur der Ort, an dem ein Gemälde hängt, sondern Teil der visuellen Beziehung. Der Betrachter muss die Position der einzelnen Elemente, die Abstände, die Vorsprünge und die Veränderungen des Lichts berücksichtigen. Die Malerei stellt so keinen imaginären Raum mehr dar, sondern beginnt, in den realen Raum einzugreifen.

Material, Farbe und kunstdrucke

Seit den Achtzigerjahren bereichert sich das Werk um Holz, Glas, Eisen, Stein, Pergament und andere Materialien, oft in Verbindung mit Pigmenten und gestischen Eingriffen. Einige Elemente scheinen aus der Oberfläche herauszutreten, andere durchdringen oder unterbrechen sie und erzeugen eine anhaltende Spannung zwischen der Leichtigkeit der Spur und der Gegenständlichkeit des Objekts. Auch die Farbe gewinnt an ausdrücklicher Präsenz: Zu Weiß und den feinen Spuren gesellen sich Blau, Rosa und kräftigere Farbflächen. Es ist keine Rückkehr zur traditionellen Malerei, sondern eine Erweiterung der bereits erkundeten Möglichkeiten, bei der Geste und Material wieder deutlicher miteinander in Beziehung treten.

Die kunstdrucke bilden ein wichtiges Kapitel dieses Werdegangs. Das Blatt kann Zeichnung, Pigment und aufgebrachte Materialien aufnehmen, ohne sich notwendigerweise auf eine Vorstudie zu beschränken. In einigen Kompositionen wird das Papier zum Ort eines eigenständigen Werks, in anderen kann es in Verlags- oder Grafikprojekte einbezogen werden. Daher ist es bei der Beschreibung eines Werks von Gastini wichtig, eine originale Zeichnung oder Mischtechnik von einem Auflagendruck zu unterscheiden: Die visuelle Ähnlichkeit reicht nicht aus, um festzustellen, ob es sich um Lithografie, siebdruck oder ein anderes Verfahren handelt. Die Technik muss anhand der Dokumentation des jeweiligen Exemplars ermittelt werden und darf nicht aufgrund des Bildes vermutet werden.

Gastinis Werk fand Anerkennung in bedeutenden italienischen und internationalen Ausstellungen, darunter die Ausstellung von 1982 in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus in München sowie spätere Präsentationen in Modena, Mailand, Bologna und Turin. Der 2018 in Turin verstorbene Künstler hinterließ ein Werk, in dem die Analyse der Bildsprache nicht zu einer sich wiederholenden Formel führt, sondern zu einer immer neuen Auseinandersetzung mit den Eigenschaften der Materialien. Seine Originalität besteht gerade darin, gezeigt zu haben, dass ein Bild nicht nur durch das bestehen kann, was es enthält, sondern auch durch die Beziehungen, die es außerhalb seiner Grenzen entstehen lässt.