ATTARDI Ugo

Ugo Attardi (Sori, 1923 – Rom, 2006) war ein italienischer Maler, Bildhauer, Grafiker und Schriftsteller und eine bedeutende Persönlichkeit der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als Mitbegründer der Gruppo Forma 1 wandte er sich nach und nach von der Abstraktion ab und entwickelte eine intensive figurative Malerei, die von ausdrucksstarken Körpern, kraftvollen Farben und einem starken Interesse an der menschlichen Existenz geprägt war. In seinen Gemälden und Radierungen setzte er sich mit Arbeit, Leid, Sinnlichkeit und den Widersprüchen der Geschichte auseinander. Ab Ende der sechziger Jahre widmete er sich auch der Bildhauerei und schuf monumentale Werke, die von den Konquistadoren, dem Mythos des Odysseus und der Geschichte Amerikas inspiriert waren. Seine Bildsprache vereint klassische Anklänge, expressionistische Verformungen und eine dramatische Sicht auf die Wirklichkeit und macht den Menschen zum Mittelpunkt einer zutiefst persönlichen künstlerischen Suche.

Ugo Attardi: Biografie und künstlerische Ausbildung

Ugo Attardi wurde am 12. März 1923 in Sori in der Provinz Genua in eine Familie sizilianischer Herkunft geboren. Sein Vater Aurelio, ein Gewerkschafter, war durch den Druck des faschistischen Regimes gezwungen, Ligurien zu verlassen und nach Sizilien zurückzukehren.

So verbrachte Attardi den größten Teil seiner Kindheit und Jugend in Palermo, einer Stadt, die seine künstlerische Sensibilität nachhaltig prägte.

Schon in jungen Jahren zeigte er großes Interesse am Zeichnen. 1937 schrieb er sich am Kunstgymnasium von Palermo ein und begann anschließend ein Architekturstudium, das er zugunsten der Malerei abbrach.

Seine Ausbildung fiel in die Jahre des Zweiten Weltkriegs, die von wirtschaftlichen Schwierigkeiten und tiefgreifenden sozialen Spannungen geprägt waren.

1945 zog er nach Rom, wo er in das Künstlerumfeld aufgenommen wurde, in dem sich Pietro Consagra und Renato Guttuso bewegten.

Die gerade erst aus dem Krieg hervorgegangene Hauptstadt war von einer lebhaften kulturellen Debatte geprägt. Künstler suchten nach neuen Ausdrucksformen und setzten sich mit den europäischen Avantgarden sowie mit der Notwendigkeit auseinander, die Gegenwart zu deuten.

In diesem Umfeld begegnete Attardi einigen der wichtigsten Vertreter der späteren italienischen abstrakten Kunst.

Die Gruppo Forma 1 und die abstrakten Anfänge

1947 beteiligte sich Ugo Attardi gemeinsam mit Carla Accardi, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo und Giulio Turcato an der Gründung der Gruppo Forma 1.

Die Gruppe entstand mit dem Ziel, die italienische Kunst durch eine auf der Eigenständigkeit von Formen und Farben beruhende Suche zu erneuern.

Ihre Mitglieder vertraten die Möglichkeit, ein gesellschaftlich engagiertes Kulturverständnis mit der Ausdrucksfreiheit der Abstraktion zu vereinen.

Für Attardi war diese Erfahrung eine grundlegende, wenn auch relativ kurze Phase.

In den Gemälden der zweiten Hälfte der vierziger Jahre entwickelte er Kompositionen, die vom Postkubismus und den europäischen Avantgarden beeinflusst waren.

Werke wie Blühender Kaktus (1946), Abstrakte Landschaft (1947), Leuchtkraft (1947) und Morgendämmerung auf der Isola delle Femmine (1949) zeugen von seinem Interesse an geometrischer Aufgliederung, der Bewegung der Linien und den Farbverhältnissen.

Die Formen sind in dynamischen Strukturen angeordnet, während die Farben Spannungen und Rhythmen auf der Bildfläche erzeugen.

Doch schon gegen Ende des Jahrzehnts begann Attardi, die Grenzen der Abstraktion angesichts seines eigenen Bedürfnisses zu spüren, die menschliche Wirklichkeit zu erzählen.

Diese allmähliche Abkehr führte ihn zu einer völlig anderen Malerei.

Die Rückkehr zur Gegenständlichkeit und der Realismus der fünfziger Jahre

Anfang der fünfziger Jahre wandte sich Ugo Attardi nach und nach vom Abstrakten ab und entwickelte eine gegenständliche Malerei von großer Ausdruckskraft.

Dieser Wandel entsprang dem Wunsch, die sozialen Spannungen und Erfahrungen einfacher Menschen unmittelbar darzustellen.

In seinen Gemälden erscheinen Arbeiter, Bauern, Bergleute, verletzte Menschen und Figuren aus einer von Mühsal und Unsicherheit geprägten Welt.

Zu den Werken dieser Phase zählen Schmuggler, Karrenführer und Die Verletzten von Portella della Ginestra, die um 1951 entstanden.

Die Wahl der Motive zeigt, wie sehr sich der Künstler für die sozialen Ereignisse in Sizilien und die Lebensbedingungen der einfachen Bevölkerung interessierte.

Die Figuren werden nicht in einer gelassenen oder idealisierten Weise dargestellt.

Die Körper sind oft verzerrt, die Gesichter nehmen intensive Ausdrücke an, und die Kompositionen vermitteln ein Gefühl der Spannung.

Attardi setzte sich mit der Malerei Renato Guttusos auseinander, entwickelte jedoch eine eigenständige Sensibilität, in der sich Realismus mit einer dramatischen, mitunter visionären Sicht verbindet.

Seine Malerei will nicht nur soziale Verhältnisse dokumentieren, sondern auch die emotionale Last des Lebens zum Ausdruck bringen.

Ugo Attardis Expressionismus: Körper und Verformungen

Im Laufe der fünfziger Jahre rückte Attardis künstlerische Suche immer näher an den Expressionismus heran.

Zu seinen wichtigen Bezugspunkten zählten Francis Bacon und George Grosz, Künstler, die die Verformung der menschlichen Figur genutzt hatten, um beunruhigende und widersprüchliche Aspekte der Wirklichkeit darzustellen.

Attardi verarbeitete diese Anregungen in einer persönlichen Bildsprache.

Seine Figuren wirken mitunter massig, verdreht oder von Spannungen durchzogen, die ihre Anatomie verändern.

Die Gesichter sind nicht unbedingt naturalistisch präzise dargestellt, sondern so gestaltet, dass sie emotionale Zustände vermitteln.

Die Farbe spielt eine entscheidende Rolle.

Dunkle Töne, plötzliche Kontraste und kraftvolle Pinselstriche schaffen intensive Stimmungen.

So wird der menschliche Körper zum Ort, an dem sich Leid, Verlangen, Gewalt und Lebenskraft zeigen.

Diese Aufmerksamkeit für den Körper begleitete Attardi auch in seinen späteren bildhauerischen Arbeiten.

Die Verformung ist kein bloßer Stileffekt: Sie ermöglicht es dem Künstler, über die äußere Erscheinung hinauszugehen und die Komplexität der menschlichen Existenz anzudeuten.

Città Aperta und die Gruppe Il Pro e il Contro

In den fünfziger und sechziger Jahren beteiligte sich Ugo Attardi aktiv an der italienischen Kunst- und Kulturdiskussion.

1956 wirkte er an der Gründung der Zeitschrift Città Aperta mit, die sich mit Kultur und gesellschaftlichem Engagement auseinandersetzte.

Seine Arbeit entwickelte sich zu einer Zeit, in der die Auseinandersetzung zwischen abstrakter und gegenständlicher Kunst weiterhin im Mittelpunkt stand.

1961 gehörte er gemeinsam mit Künstlern wie Ennio Calabria, Fernando Farulli, Alberto Gianquinto, Piero Guccione und Renzo Vespignani zu den Gründern der Gruppe Il Pro e il Contro.

Die Gruppe setzte sich für eine Malerei ein, die sich kritisch mit der Gegenwart auseinandersetzt.

Es handelte sich jedoch nicht um eine bloße Rückkehr zur traditionellen Darstellung.

Die Künstler suchten nach einer modernen figurativen Bildsprache, die gesellschaftliche Veränderungen durch persönliche Bildwelten deutet.

Für Attardi bestätigte diese Erfahrung die zentrale Bedeutung der menschlichen Figur und des Erzählens.

Die Malerei wurde zu einem Mittel, soziale, politische und existenzielle Fragen aufzugreifen, ohne die formale Freiheit aufzugeben.

Landschaften und Ansichten von Rom

Neben menschlichen Figuren widmete Ugo Attardi einen Teil seines Schaffens der Stadtlandschaft, insbesondere Ansichten von Rom.

Die Stadt wird nicht nur anhand ihrer Denkmäler oder ihrer bekanntesten Ansichten dargestellt.

Attardi versucht vielmehr, ihre Atmosphäre, ihre Beschaffenheit und ihren Wandel einzufangen.

In Werken wie Landschaft, das um 1965 datiert und in der Sammlung der Banca d’Italia aufbewahrt wird, ist die Stadtansicht in einer freien und intensiven Malweise interpretiert.

Die architektonischen Formen können instabil wirken, während die Farben ein Bild schaffen, das weit von einer fotografischen Darstellung entfernt ist.

Rom wird zu einer lebendigen Präsenz, geprägt von der Geschichte und den Widersprüchen der Gegenwart.

Diese Gemälde zeugen vom Interesse des Künstlers an der beobachteten Wirklichkeit, aber auch von seiner Fähigkeit, sie durch eine emotionale Sichtweise zu verwandeln.

Die Landschaft bildet keine Unterbrechung der dramatischeren Themen seines Schaffens.

Sie ist eine weitere Möglichkeit, die Beziehung zwischen Mensch, Erinnerung und der ihn umgebenden Welt darzustellen.

Die Entdeckung der Bildhauerei: von der Zeichnung zum Volumen

Ende der sechziger Jahre begann sich Ugo Attardi intensiv der Bildhauerei zu widmen.

Der Schritt in die Dreidimensionalität entsprang einem Interesse, das sich bereits in seinen Gemälden und Zeichnungen zeigte: der körperlichen Präsenz des Menschen.

1968 präsentierte er einige seiner ersten plastischen Arbeiten, darunter die Reliefs Krankes Kind und Abschied von Che Guevara.

Die Figuren bewahren die für seine Malerei charakteristischen Ausdrucksverformungen, erhalten jedoch eine neue materielle Präsenz.

Der Körper wird nicht mehr nur auf einer Fläche dargestellt.

Er nimmt Raum ein und erhält eine Präsenz, die Betrachter von verschiedenen Standpunkten aus wahrnehmen können.

Attardi arbeitete vor allem mit Holz und Bronze und entwickelte eine Bildsprache, die klassische Bezüge und ursprüngliche Anklänge mit großer erzählerischer Spannung verbindet.

Seine Skulpturen streben nicht unbedingt nach der idealen Harmonie der Tradition.

Die Körper können verzerrt oder zusammengedrückt wirken oder in dramatische Bewegungen verwickelt sein.

Diese Suche leitete eine neue Phase seiner Laufbahn ein, die in den großen monumentalen Werken ihren Höhepunkt finden sollte.

Die Konquistadoren und die Gewalt der Geschichte

Eines der wichtigsten Themen in Ugo Attardis Bildhauerei ist die Eroberung Amerikas und das Verhältnis zwischen Macht und Gewalt.

Der Künstler setzte sich mit diesen Ereignissen in großen Skulpturengruppen auseinander, in denen historische Figuren zu Hauptpersonen dramatischer Darstellungen werden.

Zu den bedeutenden Werken zählt Pizarros Ankunft, das zwischen 1968 und 1971 entstand.

Es folgten Cortés und die Schönheit des Westens (1974–1976) und Vuelta de Cristóbal Colón (1974–1980).

In diesen Skulpturen feiert Attardi die Taten der Konquistadoren nicht auf konventionelle Weise.

Die Figuren dienen vielmehr dazu, über Unterwerfung, die gewaltsame Begegnung der Kulturen und die Widersprüche der westlichen Geschichte nachzudenken.

Die Körper können zugleich erhaben und beunruhigend wirken.

Die Formgebung erinnert mitunter an die klassische Bildhauerei, wird jedoch durch Verformungen verändert, die ihren Charakter wandeln.

So entsteht eine Darstellung, in der Schönheit und Gewalt nebeneinander bestehen.

Diese Werke zeugen von Attardis Fähigkeit, historische Ereignisse in Bilder von umfassenderer Bedeutung zu verwandeln, die von Machtverhältnissen und menschlicher Verletzlichkeit handeln.

Weibliche Figuren: Sinnlichkeit und Ausdruckskraft

Die weibliche Figur nimmt im malerischen und bildhauerischen Schaffen Ugo Attardis einen wichtigen Platz ein.

Ab den siebziger Jahren schuf der Künstler zahlreiche Akte, Porträts und Figuren mit starker körperlicher Präsenz.

Seine Reisen, vor allem nach Afrika, erweiterten die visuellen Bezugspunkte seiner künstlerischen Suche.

In den Gemälden erscheinen liegende Frauen, Figuren in nur angedeuteten Innenräumen und Körper, die mit intensiven Farben dargestellt sind.

Zu den Werken dieser Zeit zählen Die blauen Strümpfe (1973), Der klare Mond (1973), Der rote Brief (1975) und Liebe, liebe Lilik (1976).

In der Bildhauerei erhält die weibliche Figur oft eine monumentale Präsenz.

Bronzen wie Melba (1975) und Vicki Taguba (1978) zeugen von seinem Interesse an Volumen, Sinnlichkeit und der plastischen Gestaltung des Körpers.

Attardis Figuren sind nicht immer idealisiert.

Ihre Kraft entsteht auch aus anatomischen Spannungen, Verformungen und der besonderen Ausdrucksstärke ihrer Posen.

So wird Sinnlichkeit zu einem der Mittel, mit denen der Künstler Lebenskraft und die Komplexität menschlicher Erfahrung erforscht.

Ugo Attardis Radierungen und grafische Werke

Die Tätigkeit als Grafiker begleitete Ugo Attardi während eines großen Teils seiner Laufbahn.

Zu seinem Schaffen gehören Radierungen, Lithografien, Zeichnungen und Mappenwerke zu historischen, literarischen und existenziellen Themen.

1968 schuf er die Sammlung Diese verrückte Mörderwelt, die Zeichnungen und Radierungen mit intensiven, dramatischen Bildern umfasst.

Die Figuren scheinen oft von Spannungen durchzogen, während die Linie eine zentrale Ausdrucksfunktion übernimmt.

1972 veröffentlichte er die Mappe Mythobiografie, die aus achtzehn Radierungen besteht und mit dem Roman Der wilde Erbe verbunden ist.

In diesen Arbeiten kehren die Themen Erinnerung, Gewalt und menschliche Existenz wieder.

Attardi schuf auch von der Literatur inspirierte Radierungen, darunter eine Folge zu Ludovico Ariostos Fünf Gesängen.

Sein grafisches Schaffen lässt die zentrale Rolle der Zeichnung in seiner künstlerischen Suche erkennen.

Die Figuren entstehen aus kraftvollen Linien, die Bewegung, Gewicht und Spannung vermitteln.

Auch in seinen Lithografien und anderen Arbeiten auf Papier bewahrt Attardi eine unverwechselbare Bildsprache, in der der menschliche Körper und das Erzählen im Mittelpunkt bleiben.

Die Grafik ist somit keine Nebentätigkeit, sondern ein wichtiger Teil seines künstlerischen Schaffens.

Ugo Attardi als Schriftsteller: Der wilde Erbe

Neben der Malerei und Bildhauerei entwickelte Ugo Attardi eine rege literarische Tätigkeit.

1970 veröffentlichte er den Roman Der wilde Erbe, ein Werk mit autobiografischen Elementen, das persönliche und gemeinschaftliche Erfahrungen reflektiert.

Das Buch erhielt 1971 den Viareggio-Preis für Literatur und bestätigte damit die Anerkennung seiner schriftstellerischen Arbeit.

Die Literatur bot Attardi eine weitere Möglichkeit, sich mit den Themen auseinanderzusetzen, die auch sein bildnerisches Schaffen durchziehen.

Erinnerung, Gewalt, Verlangen und menschliche Beziehungen kehren in unterschiedlichen Ausdrucksformen wieder.

Die Verbindung von Wort und Bild zeigt sich auch in den zahlreichen Illustrationen, die er für literarische Werke schuf.

In den achtziger Jahren arbeitete er an Projekten zu Stendhal und dem surrealistischen Schriftsteller Philippe Soupault.

Später widmete er sich auch bildnerischen Interpretationen der Odyssee, der Aeneis und des Don Quijote.

Diese Arbeiten bezeugen die Kontinuität zwischen seinem künstlerischen Schaffen und seiner Tätigkeit als Erzähler.

Die großen monumentalen Skulpturen

Ab Ende der achtziger Jahre schuf Ugo Attardi einige der bedeutendsten monumentalen Werke seiner Laufbahn.

Dazu zählt Das Schiff der Revolution, das 1989 anlässlich des zweihundertsten Jahrestags der Französischen Revolution entstand und später in Rom auf dem Gelände des Palazzo dello Sport aufgestellt wurde.

Das Werk greift das Thema der Revolution in einer dynamischen Komposition auf, in der die Figuren an einer gemeinsamen Bewegung teilzunehmen scheinen.

1992 schuf er In den Amerikas, ein Denkmal, das anlässlich der Feierlichkeiten zum fünfhundertsten Jahrestag der Reise Christoph Kolumbus' in Buenos Aires aufgestellt wurde.

So kehrte das Thema der Eroberung in einem öffentlichen, monumentalen Rahmen wieder.

1997 wurde eine seiner Skulpturen zu Ehren von Odysseus in New York auf dem Gelände des Battery Park aufgestellt.

Eine Fassung des Werks befindet sich auch in Rom am Palazzo Valentini.

Die Figur des griechischen Helden war für Attardi von besonderer Bedeutung. Er deutete die Reise als Erfahrung von Erkenntnis, Gefahr und Verwandlung.

2004 wurde eine Skulptur zu Ehren von Aeneas anlässlich des Beitritts Maltas zur Europäischen Union im Hafen von Valletta aufgestellt.

Diese Denkmäler zeugen von der Fähigkeit des Künstlers, historische und mythologische Themen in einer persönlichen figurativen Bildsprache aufzugreifen.

Ausstellungen und internationale Anerkennung

Ugo Attardis Laufbahn war von zahlreichen Ausstellungen in Italien und im Ausland geprägt.

In den fünfziger Jahren nahm er an der Biennale von Venedig und der Quadriennale von Rom teil und festigte damit seine Stellung in der italienischen Kunstszene.

1976 zeigte der Palazzo dei Diamanti in Ferrara eine große Retrospektive seines Schaffens.

1981 ließ eine weitere Ausstellung in der Rotonda della Besana in Mailand seine Arbeit Revue passieren.

1983 widmete das Centre Georges Pompidou in Paris seinen Skulpturen eine Veranstaltung, zu der auch ein von den Werken des Künstlers inspiriertes Ballett gehörte.

1985 richtete der Palazzo Barberini in Rom eine bedeutende Retrospektive aus.

In den folgenden Jahren wurden seine Werke in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt und trugen dazu bei, seine malerische und bildhauerische Arbeit bekannt zu machen.

2002 verlieh ihm die Präsidentschaft der Republik eine Goldmedaille für den künstlerischen Wert seines Schaffens.

2006 wurde er zum Großoffizier des Verdienstordens der Italienischen Republik ernannt.

Die letzten Jahre und das künstlerische Vermächtnis

In seinen letzten Jahren widmete sich Ugo Attardi weiterhin der Malerei, der Bildhauerei und der literarischen Illustration.

Seine künstlerische Suche galt weiterhin beständig der menschlichen Figur und den großen Themen der Geschichte.

2002 schuf er eine monumentale Skulptur zu Ehren von Christus, die in die Sammlungen der Vatikanischen Museen aufgenommen wurde.

Das Werk zeugt von der Kontinuität seiner Auseinandersetzung mit dem Körper, dem Leiden und der spirituellen Dimension menschlicher Erfahrung.

Attardi starb im Juli 2006 in Rom.

Sein Schaffen umfasst mehr als fünfzig Jahre italienischer Kunstgeschichte und reicht von der Abstraktion zur Gegenständlichkeit und von der Malerei zur monumentalen Bildhauerei.

Obwohl der Künstler seine Bildsprache im Laufe der Zeit grundlegend veränderte, blieb seiner Sichtweise eine innere Stimmigkeit erhalten.

Im Mittelpunkt seiner Werke steht stets der Mensch, dargestellt in seiner Stärke und seiner Verletzlichkeit.

Ugo Attardis Gemälde, Radierungen und Skulpturen zeugen von einer künstlerischen Suche, in der Schönheit nicht von den Widersprüchen der Wirklichkeit getrennt wird.

Mit verzerrten Körpern, dramatischen Bildern und großen mythologischen Figuren schuf der Künstler ein Ausdrucksuniversum, das vom Verhältnis zwischen Individuum, Geschichte und Schicksal erzählt.