Domenico Cantatore
Domenico Cantatore wurde am 16. März 1906 in Ruvo di Puglia geboren, als jüngstes von acht Geschwistern, in einem familiären Umfeld, das von Armut geprägt war. Seine Kindheit war hart, geprägt von Entbehrungen, die jedoch seine angeborene künstlerische Sensibilität nicht zu ersticken vermochten. Bereits mit achtzehn Jahren begann er dank der Begegnung mit Benedetto Nardi als Zimmerdekorateur zu arbeiten: eine Erfahrung, die ihn in die Welt der Malerei einführte und seine Leidenschaft für die Kunst endgültig entfachte.
1922 verließ er Apulien, um zunächst nach Rom zu ziehen, wo er seinen Bruder Giuseppe Cantatore traf, der ebenfalls Maler war, und später 1925 nach Mailand. Gerade in der lombardischen Hauptstadt begann er ernsthaft zu malen und frequentierte die kulturellen Kreise der künstlerischen und literarischen Bewegung "Corrente". Seine erste Einzelausstellung fand 1930 in der Galleria d'Arte Moderna in Mailand statt und markierte den Beginn seiner öffentlichen Karriere.
In Mailand knüpfte er wichtige Freundschaften mit bedeutenden Persönlichkeiten der italienischen Kultur wie Carlo Carrà, Leonardo Sinisgalli, Alfonso Gatto, dem armenischen Dichter Hrand Nazariantz und dem späteren Nobelpreisträger Salvatore Quasimodo. Besonders verbunden war er jedoch mit Raffaele Carrieri, ebenfalls aus Apulien. Dank eines Freundes zog Cantatore 1932 nach Paris, wo er die Kunst der Impressionisten und die Werke von Picasso, Modigliani, Matisse und den Fauves aus nächster Nähe kennenlernte. In der französischen Hauptstadt knüpfte er Kontakte zu italienischen Künstlern wie Carlo Levi und Filippo de Pisis.
Der Pariser Aufenthalt war entscheidend für seine stilistische Entwicklung, auch wenn von der Produktion jener Jahre nur ein Skizzenbuch und einige Radierungen erhalten sind. Nach seiner Rückkehr nach Mailand 1934 stellte er die in Paris entstandenen Zeichnungen in der Galleria del Milione aus und erlangte zunehmende kritische Anerkennung.
1940 wurde ihm aufgrund seines Rufs der Lehrstuhl für Figur an der Accademia di Brera übertragen, als Nachfolger von Aldo Carpi. Dort unterrichtete er bis 1976, als er die Stelle an seinen Schüler Natale Addamiano übergab. Seine Lehrtätigkeit wurde für die Fähigkeit geschätzt, akademische Strenge mit poetischer Inspiration zu verbinden, was ihn bei den Studenten sehr beliebt machte.
Nach dem Krieg beeinflusste die Begegnung mit Giorgio Morandi 1948 seine malerische Sprache weiter, indem sie ihn zu größerer Schlichtheit und Realitätsnähe führte. In derselben Zeit nahm er an bedeutenden Kunstevents wie dem Premio Bergamo, der Biennale di Venezia und der Quadriennale di Roma teil, wo er 1955 auch Mitglied der Einladungskommission wurde.
1956 reiste er nach Spanien, eine Erfahrung, die seine Anziehungskraft für die warmen und leuchtenden Farben des Mittelmeers verstärkte. Von da an und bis in die 80er Jahre wurde der Süden Italiens zum absoluten Protagonisten seiner Malerei: hügelige Landschaften, feurige Sonnenuntergänge, religiöse Riten, Bruderschaften und vom Mühen und der Hingabe geprägte menschliche Figuren.
Die weibliche Figur spielte eine zentrale Rolle in seinem Werk, oft elegant und spirituell dargestellt. Seine "Odaliske", eine sinnliche und geheimnisvolle Frau, wurde zu einem der beliebtesten und wiedererkennbarsten Motive seiner Kunst. Gleichzeitig vernachlässigte er nicht die literarische Dimension: Er schrieb Erzählungen und Erinnerungen wie Il pittore di stanze (1944) und Ritorno al paese (1966), Werke, die seine tiefe Verbundenheit mit den apulischen Wurzeln belegen.
1965 widmete Ruvo di Puglia ihm eine große Ehrung, an der auch Quasimodo teilnahm. Während der Veranstaltung erhielt er eine Goldmedaille und es wurden Dokumentarfilme über sein Leben gezeigt. In der Zwischenzeit stellte er weiterhin in Italien und im Ausland aus, pflegte Freundschaften mit Künstlern des Fauvismus und besuchte regelmäßig Orte wie Montefiore dell’Aso in den Marken, eine ständige Inspirationsquelle. Aus Dankbarkeit gegenüber diesem Ort schenkte er der Gemeinde eine wertvolle Sammlung von kunstwerken, die heute im Polo Museale di San Francesco aufbewahrt wird.
Domenico Cantatore starb am 22. Mai 1998 in Paris, während er die Orte seiner Jugend besuchte. Er war 92 Jahre alt. Sein künstlerisches Erbe umfasst Gemälde, Schriften, aber auch eine umfangreiche und hochwertige Produktion von grafica d’autore, die ihn zu einem der bedeutendsten italienischen Meister des 20. Jahrhunderts macht.
Domenico Cantatore kunstwerke
Das malerische Werk von Domenico Cantatore zeichnet sich durch die Harmonie zwischen Form und Farbe sowie durch eine Poetik aus, die den alltäglichen Szenen Süditaliens Würde und Schönheit verleiht. Seine Leinwände erzählen eine oft vergessene Realität: Frauen in Schwarz, vom Arbeiten gebeugte Männer, religiöse Prozessionen, sonnige Landschaften und intime Innenräume. Seine Motive, stilisiert, aber voller Menschlichkeit, bewegen sich in essenziellen Räumen, schwebend zwischen Erinnerung und Symbol.
Der Stil Cantatores durchlief verschiedene Phasen, behielt jedoch eine expressive Kohärenz, die auf einem persönlichen Gebrauch der Linie und einer warmen und leuchtenden Farbpalette basiert. Stark beeinflusst von der mediterranen Bildkultur und den französischen Meistern, gelang es ihm, Moderne und Tradition zu verbinden und zu einem der tiefgründigsten Interpreten der italienischen Malerei des 20. Jahrhunderts zu werden.
Er arbeitete auf verschiedenen Trägern und mit unterschiedlichen Techniken, betätigte sich auch in großen Wanddekorationen, Illustrationen, Radierungen und Fresken. Viele seiner kunstwerke sind Teil öffentlicher und privater Sammlungen und werden in Museen, Stiftungen und Galerien in ganz Europa ausgestellt.
Domenico Cantatore Lithografien
Ein besonders wichtiger Abschnitt in der Karriere von Domenico Cantatore ist der der grafica d’autore. Der Künstler beherrschte meisterhaft Techniken wie Radierung, Ätztechnik, Puntasecca und vor allem die Lithografie. Letztere ermöglichte es ihm, seine ikonischste Figur mit Freiheit und Eleganz zu erforschen: die Odaliske.
Die Lithografien, die den Odaliskinnen gewidmet sind, stellen einen Höhepunkt seines poetischen Imaginationsvermögens dar. In diesen kunstwerken stellt Cantatore liegende weibliche Figuren dar, oft nackt oder halbbekleidet, eingebettet in eine traumhafte und schwebende Atmosphäre. Die weichen Linien, die geschwungenen Konturen und der feine grafische Strich vermitteln eine zurückhaltende Sinnlichkeit, nie zur Schau gestellt, reich an Geheimnis und Spiritualität.
Die Odaliskinnen Cantatores sind nicht nur Frauen, sondern Archetypen. Sie erinnern an heidnische Gottheiten, weltliche Madonnen oder einfach stille Musen, die aus einem Traum des Südens auftauchen. Der gekonnte Einsatz der Farbe in den Lithografien, manchmal auf wenige Töne beschränkt, hebt die Volumen der Körper und die kompositorische Balance hervor und drückt ein Gefühl von unbewegter Anmut aus.
In diesen kunstwerken ist die Verbindung zwischen Künstler und Technik offensichtlich: Die Lithografie wird nicht nur zum Ausdrucksmittel, sondern zur autonomen Sprache, die alle emotionalen Nuancen seiner Kunst wiedergeben kann. Die Odaliskinnen gehören zu den beliebtesten und meistgesammelten Motiven der gesamten cantatorianischen Produktion und zeugen von seiner Fähigkeit, Zeichnung mit klassischer Sinnlichkeit und mediterraner Figurenvision zu verbinden.
