Riccardo Licata

Die kunstwerke von Riccardo Licata (Turin, 1929 – Venedig, 2014) wirken oft wie Seiten, die in einer unbekannten Sprache geschrieben sind. Kleine Zeichen, buchstabenähnliche Formen und Symbole folgen auf der Oberfläche aufeinander und erzeugen Rhythmen, die an eine Partitur erinnern. Es gibt jedoch keine Botschaft, die Wort für Wort zu übersetzen wäre: Die Bedeutung entsteht durch Pausen, Wiederholungen, Farbvariationen und die Art, wie die Elemente zueinander in Beziehung treten. Diese visuelle Schrift ist das charakteristischste Merkmal einer künstlerischen Forschung, die Malerei, Mosaik, Radierung und weitere Techniken durchzieht, ohne ihre eigene Identität zu verlieren.

Venedig und die Entstehung eines Alphabets

Nach einer Kindheit, die er in verschiedenen Städten verbringt, lässt sich Licata nach dem Krieg in Venedig nieder und besucht das Kunstlyzeum und die Akademie der Schönen Künste. Die Stadt bietet ein besonders fruchtbares Umfeld: Zur Tradition der Farbe und des Mosaiks kommen die zeitgenössischen Erfahrungen hinzu, die auf der Biennale präsentiert werden und die Debatte über die Überwindung der traditionellen Figuration beflügeln. L'Interesse am Bauhaus und an den konstruktiven Möglichkeiten der Abstraktion trägt dazu bei, seine Forschung auf eine Sprache auszurichten, in der das Zeichen keinen Gegenstand beschreibt, sondern den Raum organisiert.

Mit der Zeit wird dieses Vokabular immer eigenständiger. Die Formen können sich in beinahe geordneten Reihen anordnen oder sich frei bewegen, als folgten sie einem inneren Rhythmus. Manche erinnern an Buchstaben, andere wirken wie Fragmente archaischer Symbole, doch ihre Kraft hängt nicht davon ab, ob sie sich identifizieren lassen. Es ist die Beziehung zwischen einem Zeichen und dem anderen, die Spannung und Harmonie erzeugt. Die Farbflächen, mal transparent und zart, mal dichter, tragen dieses Geflecht, ohne auf die traditionelle Perspektive zurückzugreifen. Ein Gemälde von Licata zu betrachten bedeutet, einer Abfolge von Akzenten zu folgen, ganz so, als lauschte man einer musikalischen Komposition.

Das Mosaik als eine Art, die Oberfläche zu denken

Das Mosaik spielt in seiner Entwicklung eine entscheidende Rolle und sollte nicht als bloße dekorative Anwendung der Malerei betrachtet werden. Die Gestaltung aus einzelnen Steinchen zwingt dazu, über Abstände, Richtungen und Farbverhältnisse nachzudenken: Jedes Element erhält seine Bedeutung im Verhältnis zu den benachbarten. Bereits in den Fünfzigerjahren präsentiert Licata Mosaikarbeiten bei bedeutenden Ausstellungen, darunter der Biennale von Venedig. L'Erfahrung mit dem Mosaik hinterlässt auch in den Gemälden tiefe Spuren, in denen die Oberfläche wie eine Anordnung rhythmischer Einheiten wirken kann.

Diese Sensibilität erstreckt sich auch auf bemalte Glasarbeiten, Wandteppiche und andere materialbezogene Arbeiten. Nicht so sehr das Material selbst bestimmt das Werk, sondern die Art, wie es dem Zeichen ermöglicht, hervorzutreten, zu unterbrechen und wieder einzusetzen. Die Kontinuität zwischen verschiedenen Techniken offenbart die Beständigkeit seines Schaffens: Die visuelle Schrift gehört keinem bestimmten Trägermaterial an, sondern ist ein kompositorisches Prinzip, das sich an unterschiedliche Maßstäbe und Oberflächen anpassen kann.

Radierung, Lehre und internationale Forschung

Licata widmet sich seit den 1950er-Jahren der künstlerischen Grafik und findet in der Radierung ein besonders geeignetes Feld, um mit seinem eigenen Alphabet zu experimentieren. Die Radierung kann fein, tief eingeritzt, überlagert oder wiederholt sein; die Farbe kann neue Beziehungen zwischen den Formen herstellen. Die Konzentration, die das Blatt verlangt, macht die innere Struktur seiner Kompositionen oft deutlicher. Deshalb sind die Drucke nicht einfach verkleinerte Fassungen der Gemälde, sondern kunstwerke, in denen sich die Sprache des Künstlers mit den besonderen Möglichkeiten der Druckplatte auseinandersetzt.

Auch in Frankreich ist er tätig, wo er Mosaik unterrichtet und an einem internationalen Kunstumfeld teilnimmt. Im Laufe der Jahrzehnte wechselt er Trägermaterialien und Formate, bewahrt aber sein anhaltendes Interesse an der Verbindung von Zeichen, Farbe und Erinnerung. Bei der Katalogisierung seiner kunstdrucke gilt es, die tatsächlich belegten Techniken zu unterscheiden — etwa Radierung, Aquatinta, Lithografie oder siebdruck —, ohne sie pauschal jedem Exemplar zuzuschreiben. Die nachhaltigste Qualität seines Werks bleibt die Fähigkeit, die Oberfläche in einen Ort zu verwandeln, den der Blick durchwandern kann: ein Gefüge von Zeichen, die sich nicht wörtlich lesen lassen, aber den Rhythmus einer imaginären Sprache andeuten.