Mauro Reggiani

Mauro Reggiani (Nonantola, 1897 – Mailand, 1980) ist einer der Protagonisten der Geburtsstunde des italienischen geometrischen Abstraktionismus. Seine Malerei stellt einen grundlegenden Übergang von der figurativen Sprache des frühen 20. Jahrhunderts zu einer auf autonomen Formen, Proportionen und Farbbeziehungen basierenden Werkauffassung dar. Sein Weg ist jedoch nicht der eines Künstlers, der plötzlich die Realität verlässt: Die Abstraktion entsteht aus einer langen Reflexion über die Struktur von Bildern, über den Raum und über die Fähigkeit der Malerei, eine innere Ordnung auszudrücken.

Die Entstehung und der Wendepunkt der dreißiger Jahre

Nach seinem künstlerischen Studium zwischen Modena und Florenz zog Reggiani 1924 nach Mailand und kam dort mit einem kulturellen Umfeld in Kontakt, das von unterschiedlichen Tendenzen geprägt war. Die ersten Erfahrungen waren noch figurativ und vom Klima des italienischen 20. Jahrhunderts beeinflusst. Die Reisen nach Paris in den Jahren 1926 und 1930 ermöglichten es ihm jedoch, die europäische Avantgarde direkter kennenzulernen und sich mit der Forschung von Künstlern wie Alberto Magnelli, Jean Arp und anderen Protagonisten der Moderne auseinanderzusetzen.

Der Durchgang durch die Figuration ist wichtig, um seinen Abstraktionismus zu verstehen. Die ersten Erfahrungen ermöglichten es ihm, die Beziehungen zwischen Volumen, Licht und Raumorganisation zu vertiefen; Die anschließende Reduzierung der Elemente löschte dieses Erbe nicht aus, sondern verwandelte es. Ein Rechteck oder eine Kurve werden nicht deshalb gewählt, weil sie einfacher sind als eine Figur: Sie werden zu Werkzeugen, um die eigentliche Struktur des Sehens hervorzuheben. Aus dieser Perspektive war der Vergleich mit den europäischen Avantgarden vor allem deshalb entscheidend, weil er die Möglichkeit einer existenzfähigen Malerei ohne erkennbares Sujet aufzeigte.

Zu Beginn der 1930er Jahre orientierte sich seine Malerei an einer fortschreitenden Reduktion repräsentativer Elemente. Die Figuren und Objekte ließen Raum für Kompositionen aus Linien, Flächen und chromatischen Hintergründen. Es ging nicht darum, auf Komplexität zu verzichten: Im Gegenteil, der Künstler suchte nach einer Sprache, in der jede Form durch ihre Beziehung zu den anderen einen Wert erlangt.

1934 war ein entscheidender Moment. Reggiani nahm an der historischen Ausstellungserfahrung der Galleria del Milione in Mailand teil und gehörte zu den Unterzeichnern eines Erklärungsmanifests der italienischen abstrakten Kunst. In einem Kontext, in dem die Figuration ein starkes kulturelles Gewicht hatte, bedeutete die Unterstützung der vollständigen Autonomie der geometrischen Form, eine grundlegend neue Idee der Malerei vorzuschlagen.

Die Galleria del Milione war ein wichtiger Ort für Diskussionen und die Verbreitung von Ideen. Die Ausstellung eines abstrakten Werks in Italien in den 1930er Jahren bedeutete den Einstieg in eine noch offene Debatte über die Funktion der Malerei und das Verhältnis zur Tradition. Die geometrische Wahl war daher keine rein formale Lösung: Sie besagte, dass das Gemälde eine autonome Realität sein könnte, die auf inneren Beziehungen basiert. Reggiani trug zu diesem Übergang mit geduldiger Forschung bei, bei der kompositorische Präzision das Risiko von Experimenten nicht ausschloss.

Geometrie, Gleichgewicht und Raum

In Reggianis Kompositionen scheinen Rechtecke, Kreise, Linien und Farbflächen einem strengen System zu gehören. Dennoch ist das Ergebnis nicht kalt mechanisch. Der Rhythmus entsteht aus dem Unterschied zwischen vollen und leeren Räumen, aus der Nähe kontrastierender Farbtöne und aus den Spannungen, die zwischen vertikalen, horizontalen oder geneigten Formen entstehen. Eine kleine Verschiebung kann die gesamte Wahrnehmung des Bildes verändern und zeigt, wie das Gleichgewicht von subtilen Beziehungen abhängt.

Seine Mitgliedschaft in der internationalen Gruppe Abstraction-Création im Jahr 1935 bestätigte die europäische Breite der Forschung. Nach dem Krieg entwickelte Reggiani die nichtfigurative Malerei weiter und nahm auch an den Erfahrungen der Concrete Art Movement (MAC) in den 1950er Jahren teil. Konkrete Kunst ist aus dieser Perspektive keine vereinfachte Darstellung der Außenwelt, sondern eine visuelle Realität, die ihre eigenen Gesetze hat.

Der internationale Horizont hilft, seine Produktion zu verstehen, ohne sie auf eine lokale Episode zu reduzieren. Die Erfahrungen der europäischen Abstraktion boten unterschiedliche Lösungen, manchmal konstruktiver, manchmal lyrischer. Reggiani suchte eine persönliche Position und achtete dabei besonders auf Rhythmus und Gleichgewicht. Auch nach dem Krieg geht die Kontinuität der Forschung nicht mit Unbeweglichkeit einher: Die Proportionen verändern sich, die Farben nehmen unterschiedliche Intensitäten an und die Oberflächen können nach offeneren Beziehungen gegliedert werden. Das Gemälde bleibt ein Raum der Verifikation, in dem jede Variation im Großen und Ganzen Konsequenzen erzeugt.

Farbe spielt eine wesentliche Rolle. Manchmal sind die Hintergründe klar und getrennt; andernorts scheint die Komposition flüssiger zu werden. Die Präzision der Konturen geht mit einer chromatischen Sensibilität einher, die verhindert, dass die Geometrie auf ein einfaches Diagramm reduziert wird. Die Werke laden zum langsamen Nachdenken ein, bei dem Korrespondenzen und Unterschiede entstehen, die nicht sofort ersichtlich sind.

Design, Grafiken und veröffentlichte Werke

Neben den Gemälden schuf Reggiani Zeichnungen und grafische Arbeiten, die es uns ermöglichen, den Prozess der Bildkonstruktion genau zu beobachten. Die Größe des Blattes lenkt die Aufmerksamkeit auf die wesentlichen Zusammenhänge: Eine Linie kann die vorherrschende Richtung festlegen, während ein chromatischer Hintergrund die scheinbare Gewichtung der anderen Formen verändern kann. Auch in den Arbeiten auf Papier bleibt die Sprache im Einklang mit seiner Bildrecherche.

Arbeiten auf Papier ermöglichen auch den Vergleich von Lösungen, die in der Malerei unterschiedliche Zeiten und Materialien erfordern. Eine Reihe von Studien kann zeigen, wie eine Form verschoben oder skaliert wird, bis ein zufriedenstellendes Gleichgewicht erreicht ist. Ein fertiges Blatt kann jedoch eine Autonomie haben, die nicht von der Existenz eines entsprechenden Gemäldes abhängt. Bei den Originaldrucken erfordert der Prozess weitere Wahlmöglichkeiten, insbesondere bei der Definition der Ränder und chromatischen Übergänge. Daher ist es sinnvoll, die Technik nur dann anzugeben, wenn sie überprüft werden kann, und dabei stets das zum Verkauf stehende Exemplar von dem Bild zu unterscheiden, das es reproduziert oder interpretiert.

Um ein Beispiel richtig zu beschreiben, ist es wichtig, zwischen Originalzeichnung, Mischtechnik, Lithographie, Serigraphie und Reproduktion zu unterscheiden, wenn diese Kategorien tatsächlich dokumentiert sind. Das Vorhandensein von Signatur und Nummerierung allein reicht nicht aus, um den Druckvorgang zu identifizieren. Vermessungen von Blatt und Bild, Trägermaterial, eventuelle Verlags- und Katalogangaben sind hilfreiche Elemente für die Bewertung. Reggianis Vermächtnis besteht darin, dass er dazu beigetragen hat, der italienischen Abstraktion eine strenge und autonome Stimme zu verleihen und zu demonstrieren, dass Geometrie zu einer Form visueller Poesie werden kann.