Mario Avati

Mario Avati (Monte Carlo, 1921 – Paris, 2009) war ein italienischstämmiger Grafiker und Maler, der als einer der großen zeitgenössischen Vertreter der Schabkunst, auch Mezzotinto genannt, gilt. Sein Werk ist geprägt von Stillleben, Früchten, Alltagsgegenständen und Tieren, die durch feinste Lichtnuancen aus dunklen Hintergründen hervortreten. Nach seinen Anfängen, die auch Stadtansichten und Figuren umfassten, entwickelte Avati eine unverwechselbare Bildsprache, in der die Einfachheit der Motive mit geheimnisvollen Atmosphären, Ironie und Poesie einhergeht. Von Schwarz-Weiß-Kompositionen bis hin zu farbigen Druckgrafiken verwandelte seine künstlerische Suche gewöhnliche Gegenstände in stille, beinahe theatralische Erscheinungen und trug zur Erneuerung der Kunstgrafik in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bei.

Biografie und künstlerische Ausbildung

Mario Avati wird am 27. Mai 1921 im Fürstentum Monaco in einer Familie italienischer Herkunft geboren. Zunächst besucht er die École nationale des arts décoratifs in Nizza, anschließend die École nationale supérieure des beaux-arts in Paris. Eine wichtige Rolle in seiner Ausbildung spielt der Künstler Édouard Goerg, bekannt für seine fantastischen Bildwelten und seine Tätigkeit als Illustrator. Für Avati wird das grafische Werk nach und nach zum wichtigsten Medium, um eine persönliche Bildsprache zu entwickeln.

Die frühen Radierungen: Paris, Figuren und das städtische Leben

In den 1940er-Jahren und in den frühen 1950er-Jahren schuf Mario Avati Radierungen zu anderen Motiven als jenen, die sein reifes Werk prägen sollten. Zu den im Museum of Modern Art in New York aufbewahrten kunstwerken zählen Puppet (1950), La Métropolitaine (1952), Notre Dame de Lorette (1952), XIV Arrondissement (1952) und VIII Arrondissement (1953). Diese Arbeiten zeugen vom Interesse des Künstlers an der Stadt und an Situationen des zeitgenössischen Lebens. Die Bilder können rätselhaft wirken, wobei die Räume Geschichten anzudeuten scheinen, die nicht vollständig erzählt werden.

Die Entdeckung der Schabkunst im Jahr 1957

Das Jahr 1957 markiert einen entscheidenden Wendepunkt in der Karriere von Mario Avati. Nach etwa zehn Jahren des Experimentierens mit verschiedenen Drucktechniken beginnt der Künstler, sich vor allem der Schabkunst zu widmen, die auch als Mezzotinto bekannt ist. Die früheren kunstwerke waren oft durch Strich und Linie gestaltet; in den neuen Radierungen rücken dagegen die Übergänge zwischen Dunkelheit und Licht in den Mittelpunkt. Die Schabkunst ermöglicht es Avati, eine außerordentlich reiche Tonwertpalette zu entwickeln, von tiefem Schwarz bis zu den zartesten Grautönen.

Die Stillleben von Mario Avati

Das Stillleben ist das bedeutendste Sujet im reifen Schaffen von Mario Avati. In seinen Radierungen erscheinen Früchte, Flaschen, Gefäße, Eier, Blumen, Musikinstrumente und kleine Gegenstände des Alltags. Avati interpretiert sie jedoch mit einer persönlichen Bildsprache, in der jedes Element eine besondere Bedeutung erhält. Die Gegenstände werden mit großer Sorgfalt arrangiert, oft auf schlichten Flächen und vor dunklen Hintergründen. Sie scheinen von einem Licht erhellt, das eigens so gesetzt wurde, dass ihre Präsenz besonders hervortritt.

Die Beziehung zu Giorgio Morandi

Eine der wichtigsten Bezugspersonen zum Verständnis von Mario Avatis Malerei und Druckgrafik ist Giorgio Morandi. Wie der Maler aus Bologna widmet Avati den Alltagsgegenständen und ihrer Anordnung im Raum große Aufmerksamkeit. Der Vergleich mit Morandi betrifft vor allem die Fähigkeit, ein Stillleben in ein eigenständiges visuelles Erlebnis zu verwandeln. In Morandis kunstwerke sind die Gegenstände oft in diffuses Licht und Atmosphären mit zarten Farbnuancen getaucht. Avati interpretiert die Tradition des Stilllebens mit einer eigenständigen Sensibilität neu.

Helldunkel und Licht in den Druckgrafiken

Das Licht ist eines der grundlegenden Elemente in Mario Avatis künstlerischer Forschung. Eine Frucht kann sich vor einem fast vollständig schwarzen Hintergrund abheben, während eine Metalloberfläche plötzliches Licht reflektieren kann. So gewinnen die Gegenstände eine intensive körperliche Präsenz, bleiben aber in einen schlichten Raum eingebettet. In einigen kunstwerke erzeugt er eine ruhige, kontemplative Atmosphäre; in anderen führt er ein geheimnisvolles Element ein. Das Licht wird so zu einem erzählerischen Mittel, das die Wahrnehmung der Gegenstände verändern kann.

Früchte, Eier und Alltagsgegenstände

Im Schaffen von Mario Avati kehren einige Motive häufig wieder: Zitronen, Birnen, Äpfel, Erdbeeren, Eier, Gefäße und Musikinstrumente. Diese Elemente bilden eine Art persönliches Repertoire, das der Künstler in immer wieder neuen Kompositionen bearbeitet. Ein bedeutendes Beispiel ist Citron, Bol et Compotier (1967), ein Werk in der Sammlung des MoMA in New York. Ein weiteres wichtiges Werk ist Artichaut sur un plat en argent (1964), dokumentiert von der Bibliothèque nationale de France. Durch Anordnung und Helldunkel verleiht er jedem Element eine präzise Rolle innerhalb des Bildes.

Tiere in den kunstwerke von Mario Avati

Neben Stillleben schafft Mario Avati zahlreiche Drucke mit Tieren. Schnecken, Schmetterlinge, Insekten und andere Lebewesen erscheinen in Kompositionen, die von derselben Aufmerksamkeit für Licht und Form geprägt sind. Ein Beispiel ist Snail, vermutlich aus dem Jahr 1977 und in der National Gallery of Art in Washington aufbewahrt. Die Spiralform wird zu einem kompositorisch interessanten Element, während der Kontrast zwischen Licht und Schatten ihre Präsenz verstärkt. Die Tiere werden nicht unbedingt in naturnahe Umgebungen eingebettet.

Von Schwarz-Weiß zur farbigen Schwarzen Manier

1969 führt Mario Avati dauerhaft Farbe in seine Schabkunstblätter ein. In den Stillleben finden sich zarte oder kräftigere Farbtöne, die die Atmosphäre der Kompositionen verändern. Zu den kunstwerke, die diese Phase dokumentieren, gehört Où l'on songe à Kamakura (1976), eine farbige Schabkunst, die von der französischen Académie des beaux-arts präsentiert wurde. Der Übergang zur Farbe bedeutet nicht, dass Avati die grundlegenden Prinzipien seiner künstlerischen Suche aufgibt. Die Neuerung liegt in der Möglichkeit, vielfältigere Stimmungen zu erzeugen und zugleich die für seine Druckgrafiken charakteristische Tiefe zu bewahren.

L'ironia e la poesia nelle kunstwerke di Avati

Einer der originellsten Aspekte von Mario Avatis Schaffen ist die subtile Ironie. Seine Motive entstammen häufig dem Alltag, werden jedoch so kombiniert oder präsentiert, dass sie unerwartete Assoziationen nahelegen. Werke wie La Jeunesse de Mozart, La Truite de Schubert, Une théorie de dominos und Pourquoi bleue? zeigen das Interesse des Künstlers an musikalischen Bezügen, Wortspielen und rätselhaften Situationen. Die Poesie entsteht gerade aus dem Zusammenspiel von Bildpräzision und freier Fantasie.

Mario Avati und die literarische Illustration

Neben seinen eigenständigen Druckgrafiken widmet sich Mario Avati intensiv der Buchillustration. 1955 wirkt er an der Illustration von Chiméra mit, einem Band mit zwei fotografischen Erzählungen von Lewis Carroll. 1956 fertigt er Druckgrafiken für eine Ausgabe der Contes cruels von Villiers de l'Isle-Adam an. 1961 beteiligt er sich an einer Ausgabe von Jean Anthelme Brillat-Savarins Aphorismes, menus et variétés. Wie in seinen Stillleben nutzt Avati visuelle Präzision, um Bilder zu gestalten, die zugleich poetisch und fantasievoll sind.

Die grafischen kunstwerke von Mario Avati und der Werkkatalog

Das Werk von Mario Avati umfasst über tausend Druckgrafiken, die über einen Zeitraum von mehr als fünfzig Jahren entstanden sind. L'ampiezza della produzione è documentata nel Catalogue raisonné de l'œuvre gravé, das in mehreren Bänden veröffentlicht wurde und vor allem mit der Arbeit von Roger Passeron verbunden ist. Ab 1969 eröffnet die Farbe neue Ausdrucksmöglichkeiten, ohne die zentrale Rolle des Lichts zu verändern. Die Kontinuität seines Schaffens zeigt, wie es Avati gelang, die Druckgrafik in eine persönliche, unmittelbar wiedererkennbare Bildsprache zu verwandeln.

Ausstellungen und internationale Anerkennung

Mario Avati erhält bereits in den 1950er-Jahren bedeutende Auszeichnungen. 1957 erhält er in Paris den Prix de la Critique, eine der ersten wichtigen Auszeichnungen seiner Laufbahn. 1967 arbeitet er in der Tamarind Lithography Workshop in Los Angeles – eine Erfahrung, die seine Verbindung zur amerikanischen Grafikszene bezeugt. Zu diesen Institutionen zählen das Museum of Modern Art in New York, die National Gallery of Art in Washington, das Victoria and Albert Museum in London und zahlreiche französische Institutionen.

Die letzten Jahre und das künstlerische Vermächtnis

Mario Avati arbeitet bis in seine letzten Lebensjahre in Paris. Stillleben, Tiere und kleine Gegenstände werden weiterhin zu den Hauptmotiven von Bildern, die durch ein besonderes Gleichgewicht zwischen Strenge und Fantasie geprägt sind. 2013 richtet die Académie des beaux-arts mit Unterstützung des Künstlers und seiner Frau Helen den Prix de gravure Mario Avati ein. L Mario Avatis Vermächtnis liegt vor allem darin, die Schabkunst wieder ins Zentrum der internationalen Aufmerksamkeit gerückt zu haben. Diese Verbindung von Präzision, Geheimnis und Poesie macht sein Werk zu einer der originellsten Leistungen der Druckgrafik des 20. Jahrhunderts.