Marina Abramović

Marina Abramović (Belgrad, 1946) ist eine der bedeutendsten Vertreterinnen der zeitgenössischen Performancekunst. Seit den Siebzigerjahren setzt sie ihren Körper als künstlerisches Ausdrucksmittel ein und erkundet die Grenzen körperlicher Ausdauer, das Verhältnis zwischen Künstler und Publikum sowie die Bedeutung der Präsenz. Ihre kunstwerke können aus einfachen Gesten bestehen, etwa regungslos zu verharren oder jemandem in die Augen zu sehen, werden jedoch zu Erlebnissen, die die traditionelle Art, Kunst zu betrachten, infrage stellen. Mit Performances, Fotografien, Videos und Installationen hat Abramović gezeigt, dass ein kunstwerk nicht unbedingt ein Objekt sein muss: Es kann auch eine Handlung, eine Begegnung oder ein Erlebnis sein.

Leben und künstlerische Ausbildung

Marina Abramović wird am 30. November 1946 in Belgrad, im damaligen Jugoslawien, geboren und wächst in einer Familie auf, die von der politischen Geschichte der Nachkriegszeit geprägt ist. Ihre Eltern hatten während des Zweiten Weltkriegs am Partisanenwiderstand teilgenommen, während ihre tiefreligiöse Großmutter mütterlicherseits ihr ein Gespür für Rituale und Spiritualität vermittelt. Diese Erfahrungen tragen zur Entwicklung einer Persönlichkeit bei, die sich für Disziplin, Ausdauer und die symbolische Dimension menschlicher Erfahrungen interessiert.

Sie studiert Malerei an der Akademie der Schönen Künste in Belgrad und setzt ihre Ausbildung in Zagreb fort. Zunächst widmet sie sich dem Zeichnen und der Malerei, doch nach und nach erkennt sie, dass die Fläche des Bildes nicht ausreicht, um ihre Ideen auszudrücken. Anfang der Siebzigerjahre beginnt sie daher, den Körper als künstlerisches Material einzusetzen und entscheidet sich, die Erfahrungen, die sie darstellen möchte, direkt vor den Zuschauern zu durchleben. So entstehen die ersten Performances, in denen Zeit, Anstrengung, Konzentration und Risiko zu wesentlichen Elementen des kunstwerks werden.

Performancekunst und das Verhältnis zum Publikum

In der Performancekunst nutzt der Künstler Gesten, Bewegungen, Worte oder die eigene Präsenz, um ein Erlebnis zu schaffen, das an einem bestimmten Ort und zu einer bestimmten Zeit stattfindet. Anders als ein Gemälde oder eine Skulptur ist eine Performance nicht unbedingt mit einem materiellen Objekt gleichzusetzen: Sie kann wenige Minuten oder viele Stunden dauern und das Publikum direkt einbeziehen.

Abramović entwickelt diese Ausdrucksform durch eine künstlerische Suche, bei der der Körper zugleich zum Gegenstand des Werks und zum Instrument wird, mit dem Erschöpfung, Angst und Verletzlichkeit erkundet werden. Auch die Rolle des Zuschauers verändert sich: Seine Reaktionen und mitunter seine Entscheidungen tragen dazu bei, was geschieht, und machen das Werk zu einer Beziehung zwischen Menschen.

Die ersten Performances: Rhythm 0

Zwischen 1973 und 1974 schafft Marina Abramović die Serie Rhythm, die sich mit Kontrolle, Ausdauer und kollektivem Verhalten befasst. LDas bekannteste Werk ist Rhythm 0, das 1974 im Studio Morra in Neapel präsentiert wird.

Sechs Stunden lang stellt sich die Künstlerin dem Publikum zur Verfügung. Neben ihr steht ein Tisch mit 72 Gegenständen, von denen einige harmlos, andere potenziell gefährlich sind. Die Besucher dürfen sie an ihr verwenden und übernehmen damit die Verantwortung für ihr Handeln. LDie anfängliche Interaktion entwickelt sich allmählich zu einer beunruhigenden Situation und zeigt, wie sehr sich das Verhalten des Einzelnen ändern kann, wenn die üblichen sozialen Regeln wegfallen.

Mit Rhythm 0 setzt sich Abramović mit dem Verhältnis zwischen Freiheit und Verantwortung auseinander und zeigt, wie eine Performance zu einem Instrument der psychologischen und sozialen Untersuchung werden kann.

Die Zusammenarbeit mit Ulay

1975 begegnet Marina Abramović dem deutschen Künstler Ulay, dem Pseudonym von Frank Uwe Laysiepen. Aus ihrer Liebesbeziehung und künstlerischen Beziehung entsteht eine Zusammenarbeit, die bis 1988 andauert und von Performances über Vertrauen, gegenseitige Abhängigkeit und das Gleichgewicht zwischen zwei Menschen geprägt ist.

In Imponderabilia (1977) stellen sich die beiden Künstler nackt an die Seiten eines schmalen Eingangs und zwingen die Besucher, zwischen ihren Körpern hindurchzugehen. In Rest Energy (1980) halten sie dagegen einen Bogen gespannt, dessen Pfeil auf Abramovićs Herz gerichtet ist, und überlassen die Sicherheit der Künstlerin ihrem gegenseitigen Vertrauen.

Diese kunstwerke machen die Spannungen menschlicher Beziehungen sichtbar und zeigen, dass es auch bedeutet, sich in eine verletzliche Lage zu begeben, wenn man jemandem vertraut. Die Zusammenarbeit endet 1988 mit The Lovers: The Great Wall Walk, bei der die beiden von entgegengesetzten Enden aus die Chinesische Mauer entlanggehen, bis sie sich nach einem langen Weg begegnen. L’Aktion markiert symbolisch das Ende ihres gemeinsamen Weges.

Drachenköpfe: die Kontrolle der Angst

1990 realisiert Marina Abramović Dragon Heads, eine Performance, bei der ihr Körper mit lebenden Schlangen und Eisblöcken in Beziehung tritt. LDie Künstlerin verharrt reglos, während sich die Pythons um sie herum und über ihren Körper bewegen und so eine Situation schaffen, die die menschliche Verletzlichkeit mit einer tierischen Präsenz verbindet, die Faszination und Furcht auslösen kann.

LDie Bewegungslosigkeit wird zu einem wesentlichen Element: Abramović verzichtet auf Bewegung und richtet ihre Aufmerksamkeit auf die Fähigkeit, ihre eigenen Reaktionen zu kontrollieren. Die Schlange, die in vielen Kulturen reich an symbolischer Bedeutung ist, trägt zu einer Reflexion über Energie, Angst und Verwandlung bei.

Die mit Dragon Heads verbundenen Fotografien bewahren das visuelle Zeugnis einer ansonsten unwiederholbaren Handlung und machen sie auch für diejenigen zugänglich, die nicht unmittelbar dabei waren.

Balkan Baroque: Die Erinnerung an den Krieg

1997 präsentiert Marina Abramović Balkan Baroque auf der Biennale von Venedig und erhält dafür den Goldenen Löwen als beste Künstlerin. LDas Werk entsteht aus der Auseinandersetzung mit den Kriegen, die das ehemalige Jugoslawien heimgesucht hatten, und behandelt das Thema Erinnerung durch eine körperliche Handlung, die sich über mehrere Tage wiederholt.

Auf einem Haufen Tierknochen sitzend versucht Abramović, sie zu reinigen, während sie singt und persönliche wie kollektive Erinnerungen wachruft. Die wiederholte und anstrengende Geste wird zu einer Metapher für die Unmöglichkeit, die Folgen der Gewalt vollständig auszulöschen.

Die Performance behandelt so eine historische und moralische Frage durch den Körper, die Erschöpfung und eine rituelle Handlung und verwandelt die Erinnerung an den Krieg in eine unmittelbare Kunsterfahrung.

The Artist Is Present: Der Wert der Präsenz

2010 widmet das Museum of Modern Art in New York Marina Abramović eine große Retrospektive, begleitet von der Performance The Artist Is Present. Insgesamt mehr als 700 Stunden lang, verteilt über die Dauer der Ausstellung, sitzt die Künstlerin schweigend da und empfängt nacheinander die Besucher, die sich ihr gegenübersetzen möchten.

LWerk besteht ausschließlich aus der Begegnung zwischen zwei Personen. Dialoge oder komplexe Bewegungen sind nicht vorgesehen, doch die Einfachheit der Handlung löst tiefe Reaktionen aus: Einige Besucher lächeln, andere weinen, während wieder andere regungslos bleiben und dem Blick der Künstlerin standhalten.

Mit The Artist Is Present führt Abramović ihre Auseinandersetzung mit Dauer, Präsenz und der Beziehung zum Publikum zu einer wesentlichen Form und zeigt, wie die uneingeschränkte Aufmerksamkeit für einen anderen Menschen zu einem bedeutenden Kunsterlebnis werden kann.

Fotografien, Videos und grafische kunstwerke

Im Werk von Marina Abramović spielen Fotografien und Videos eine grundlegende Rolle, denn sie ermöglichen es, Performances zu dokumentieren, die zum Ende bestimmt sind, und bedeutende Momente daraus zu bewahren. In einigen Fällen bilden die Bilder außerdem eigenständige kunstwerke, die nach genau festgelegten künstlerischen Entscheidungen konzipiert und präsentiert werden.

Eine Fotografie zu einer Performance ist daher nicht unbedingt eine bloße Dokumentation. Sie kann ein originales fotografisches Kunstwerk sein, das in einer Auflage hergestellt wurde und für Sammler bestimmt ist. Es ist wichtig, zwischen historischer Dokumentation, Reproduktion und einem von der Künstlerin autorisierten Werk zu unterscheiden.

Bei der Bewertung eines Exemplars sind Herkunft, Auflage, eine etwaige Signatur oder Zertifizierung, Drucktechnik und Erhaltungszustand zu berücksichtigen. Auch das Motiv ist wichtig: Fotografien zu Performances wie Dragon Heads ermöglichen es, durch Bilder, die betrachtet und über lange Zeit bewahrt werden können, mit bedeutenden Momenten von Abramovićs künstlerischer Forschung in Berührung zu kommen.

L'Bedeutung von Marina Abramović in der zeitgenössischen Kunst

Marina Abramović hat dazu beigetragen, das Verhältnis zwischen Kunstwerk, Künstlerin und Betrachter zu verändern, und gezeigt, dass der Körper zu einem Instrument werden kann, um Zeit, Erinnerung, Angst, Vertrauen und Präsenz zu erforschen.

Von den ersten Aktionen der Siebzigerjahre bis zu den großen Museumsperformances entwickelte sie eine Sprache, in der selbst eine elementare Geste eine komplexe Bedeutung annehmen kann. Die Fotografien und kunstwerke, die mit den Performances verbunden sind, ermöglichen es, sich dieser Forschung anhand einer materiellen Form zu nähern und ihre Bilder und Bedeutungen zu bewahren.

Den Kontext zu kennen, in dem diese kunstwerke entstanden sind, ist grundlegend, um ihren historischen, kulturellen und künstlerischen Wert zu verstehen.