Achille Pace

Achille Pace (Termoli, 1923 – Rom, 2021) entwickelte eine der persönlichsten Forschungen zur italienischen Abstraktion der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, indem er ein einfaches Material wie Baumwollfaden mit der Aufgabe betraute, den Bildraum zu befragen. Seine Werke laden uns ein, das zu beobachten, was uns normalerweise entgeht: den Abstand zwischen zwei Punkten, den Verlauf einer Linie, die Spannung, die entsteht, wenn ein dünnes Element eine scheinbar unbewegliche Oberfläche überquert. In dieser Wahl erkennen wir eine Auffassung von Kunst als Untersuchung und nicht als Darstellung der sichtbaren Welt.

Von der informellen Erfahrung zur Poetik des Fadens

Nachdem Pace 1935 mit seiner Familie nach Rom gezogen war, näherte er sich in den 1940er Jahren der Malerei, ausgehend von der Landschaft und einer für den Expressionismus empfänglichen Sprache. Der Vergleich mit Paul Klee und der europäischen Malerei sowie die Aufmerksamkeit für die amerikanischen Erfahrungen des Action Painting trugen dazu bei, sein Interesse vom Subjekt auf das Zeichen zu verlagern. Das Informelle bot die Freiheit, die Oberfläche als Ort der Aktion zu betrachten, aber Pace suchte auch nach einem Prinzip, das der Geste Kontinuität und Maß verleihen konnte.

Ab der zweiten Hälfte der 1950er Jahre hielt der Faden immer stärker Einzug in seine Kompositionen. Auf oft monochrome Hintergründe aufgetragen, fungierte es weder als Ornament noch als einfaches Collagenmaterial: Es wurde zu einer echten, physisch präsenten Zeichnung, die sich über die Oberfläche erstreckte und deren Wahrnehmung veränderte. Manchmal scheint die Linie auf natürliche Weise voranzuschreiten; andernorts tendiert es, weicht ab oder stößt auf eine Unterbrechung. Der Betrachter verfolgt diese Reise mit seinem Blick und nimmt den Raum schließlich als eine sich ständig weiterentwickelnde Beziehung wahr.

Der Übergang vom gemalten Zeichen zum aufgebrachten Faden bringt eine entscheidende Veränderung mit sich. Eine mit dem Pinsel gezeichnete Linie gehört vollständig zur Fläche; Der Faden behält jedoch seine Dicke bei, projiziert einen leichten Schatten und stellt eine physische Beziehung zum Träger her. Diese minimale, aber wahrnehmbare Lücke verleiht dem Gemälde eine fast skulpturale Dimension. Es geht nicht darum, das Gemälde aufzugeben, sondern seine Grenzen mit einem alltäglichen Element auszutesten, das zum Instrument des Wissens wird.

Die Kontinuität des Weges ist ebenso wichtig wie das Endergebnis. Dem Faden zu folgen bedeutet, sich die Zeit vorzustellen, die nötig ist, um ihn festzuziehen, zu reparieren, zu unterbrechen und von vorne zu beginnen. Paces Werk suggeriert somit ein Zeitmaß, das sich von dem der spektakulären Geste unterscheidet: eine langsame Zeitlichkeit, die aus winzigen Entscheidungen besteht. Auch die Abweichungen und Leerstellen nehmen am Rhythmus des Werkes teil; Was nicht vom Material eingenommen wird, ist ebenso wichtig wie sein sichtbarer Weg.

Größe, Farbe und Gruppe Eins

Die Wesentlichkeit der Werke darf nicht an Kaltmalerei denken lassen. Die schwarzen, grauen, weißen, blauen oder roten Hintergründe besitzen eine präzise emotionale Intensität, während der Faden für eine diskrete, aber entscheidende Präsenz sorgt. Damit stellt der Künstler ein Gleichgewicht zwischen Materie und Immaterialität her: Der Faden ist zwar greifbar, suggeriert aber vor allem eine mentale Bewegung. Die Spannung zwischen dem chromatischen Feld und der Linie erweckt Kompositionen zum Leben, die sich je nach Betrachtungsentfernung tiefgreifend verändern.

1962 beteiligte sich Pace an der Gründung der Gruppo Uno mit Künstlern wie Nicola Carrino, Giuseppe Uncini, Nato Frascà, Gastone Biggi und Pasquale Santoro. Die Gruppe versuchte, einige Annahmen des Informellen durch eine stärkere Aufmerksamkeit für die Strukturen und Beziehungen zwischen künstlerischer Forschung und Gesellschaft zu überwinden. Während Pace diesen Horizont teilte, behielt er eine autonome Stimme bei, erkennbar an der Kontinuität seiner Poetik des Threads.

Der Vergleich mit Gruppo Uno hilft, diese Forschung in die Debatte um die Überwindung des Informellen einzuordnen. Für viele Nachkriegskünstler reichte es nicht mehr aus, das Bild der Spontaneität der Geste anzuvertrauen: Es galt, die Regeln zu hinterfragen, nach denen ein Werk konstruiert wurde, und das Verhältnis zwischen Form und Umgebung. Pace reagiert auf dieses Bedürfnis, ohne eine unpersönliche Geometrie zu übernehmen. Tatsächlich behält die Baumwolllinie eine Zerbrechlichkeit und eine taktile Qualität bei, die die Hand des Künstlers erkennbar machen.

Selbst scheinbar einheitliche Farbfelder verdienen Aufmerksamkeit. Der Hintergrund ist kein einfaches Szenario, auf dem der Faden platziert wird: Er bestimmt seine Sichtbarkeit und Ausdruckskraft. Auf einer dunklen Oberfläche kann eine helle Linie als heller Streifen erscheinen; Bei nahen Tönen kann es jedoch erst zum Vorschein kommen, wenn der Blick näher kommt. Die Beziehung zwischen Präsenz und nahezu Unsichtbarkeit wird zu einem integralen Bestandteil des Erlebnisses.

Arbeiten auf Papier und Forschungsidentität

Sein Schaffen umfasst Gemälde, Assemblagen und Arbeiten auf unterschiedlichen Trägern. In Werken, die angewandten Faden verwenden, ist die Unterscheidung zwischeneinzigartige Arbeit und Druckist wesentlich: Das Vorhandensein einer sichtbaren Linie beweist nicht, dass sie mit einem grafischen Verfahren gezeichnet wurde, und eine fotografische Reproduktion entspricht nicht dem materiellen Original. Bei der Katalogisierung eines Beispiels ist es daher notwendig, den Träger, die Materialien, die mögliche Auflage, die Signatur und die Provenienz zu überprüfen, ohne automatisch eine Technik zuzuordnen.

Pace war 1955 Gründer des Termoli-Preises und trug auch zum kulturellen Leben seiner Heimatstadt bei. Er nahm an der Biennale von Venedig 1980 und 1982 sowie an wichtigen italienischen und internationalen Ausstellungen teil. Sein Vermächtnis besteht darin, gezeigt zu haben, dass eine minimale Geste, wiederholt und im Laufe der Zeit vertieft, unerschöpfliche visuelle Möglichkeiten eröffnen kann: Eine einfache Linie wird zum Ort, an dem sich Gedanke, Materie und Wahrnehmung treffen.

Pace's Produktion lädt uns ein, den Prozess sorgfältig vom endgültigen Erscheinungsbild zu unterscheiden. Zwei ähnliche Bilder können durch einen tatsächlich angebrachten Faden, ein gezeichnetes Zeichen oder einen Druck erhalten werden, der den Verlauf einer Linie wiedergibt. Der Unterschied betrifft nicht nur die kommerzielle Klassifizierung: Das Verhältnis zwischen Werk und Raum verändert sich, weil das Material auf Licht und Distanz in einer Weise reagiert, die das reproduzierte Bild nicht vollständig vermitteln kann.

Für diejenigen, die eines seiner Werke betrachten, ist es nützlich, auch die Beziehung zwischen der Stütze und den Drahtbefestigungspunkten (sofern vorhanden) zu überprüfen. Bei Frontalaufnahmen können einige Details verschwinden; Nahaufnahmen und genaue Angaben zu den Materialien helfen, diese zu verstehen, ohne das Erscheinungsbild des Originals zu verändern. Ebenso wichtig ist die Beachtung der Konservierung, denn Spannung, Haftung und Untergrundverhältnisse tragen zur Stabilität des Ganzen bei. Die Poetik des Wesentlichen bedarf daher einer ebenso präzisen wie respektvollen Beschreibung.