Ruggero Savinio

Ruggero Savinio (Turin, 1934) ist ein italienischer Maler und Schriftsteller, der eine zurückhaltende Sprache geschaffen hat, erkennbar an der Intensität des Lichts und der Art und Weise, wie die Bilder langsam aus dem Material hervorzugehen scheinen. Seine Figuren, Innenräume und Landschaften werden nicht als klare und endgültige Beschreibungen angeboten: Sie erscheinen vielmehr als Präsenzen, die in der Erinnerung festgehalten werden und zwischen dem Gesehenen und dem Erinnerten schweben. In diesem Gemälde ist Tradition kein Repertoire, das man nachahmen kann, sondern eine Stimme, mit der man den Dialog fortsetzen kann.

Eine von der europäischen Kultur durchdrungene Ausbildung

Sohn des Malers und Schriftstellers Alberto Savinio und Enkel von Giorgio de Chirico, Ruggero Savinio wuchs in einem Umfeld auf, in dem Kunst, Musik und Literatur zum Alltag gehörten. Dieses kulturelle Erbe bestimmt jedoch nicht den Weg der einfachen familiären Kontinuität. Der Künstler sucht nach und nach nach seiner eigenen Identität, durch den Vergleich mit der antiken Malerei, mit der Zeichnung und mit der Möglichkeit, inneren Bildern Gestalt zu verleihen.

Seine Arbeit entwickelt sich weit entfernt von der Idee einer Moderne, die ausschließlich mit Bruch identifiziert wird. Malerei kann zeitgenössisch sein, auch wenn sie sich mit fernen Traditionen auseinandersetzt, solange sie es versteht, diese in ein neues Erlebnis zu verwandeln. Bei Savinio führt der Verweis auf die Kunstgeschichte nicht zu dekorativen Zitaten: Er treibt die Forschung über die Präsenz von Figuren, über die Zeit und über die Natur des Sehens an.

Die familiäre Nähe zu zwei Protagonisten der modernen Kunst stellt einen Ausgangspunkt dar, bietet aber keinen ausreichenden Schlüssel zur Lektüre der Werke. Ruggero Savinio konstruiert seine eigene Sprache nicht, indem er die metaphysischen Bilder von de Chirico oder seinem Vater nachahmt. Seine Forschung konzentriert sich vielmehr auf die Möglichkeit, dass sich eine Figur durch das Bildmaterial manifestiert, ohne zu einem vollständig definierten Bild zu werden. Der Vergleich mit der Tradition beinhaltet die Erinnerung an die antike Malerei und die Aufmerksamkeit für die Art und Weise, wie Licht und Schatten eine Präsenz konstruieren. Die Vergangenheit wird nicht als ein Stil behandelt, der vollständig wiederhergestellt werden muss: Sie wird zu einer Reserve an Möglichkeiten, zu einer Reihe noch offener Fragen zur Vision. Diese Position unterscheidet sie von der Forschung, die das Neue mit der einfachen Negation des Vorhergehenden identifiziert.

Figuren und Landschaften an der Schwelle der Erinnerung

Savinios Themen sind oft erkennbar, ihre Definition bleibt jedoch beweglich. Ein Gesicht kann aus einem hellen Bereich hervortreten und sich in den Rändern auflösen; Eine Landschaft kann eher als eine Schichtung von Erinnerungen denn als ein genau lokalisierbarer Ort erscheinen. Die Malerei arbeitet durch Verschleierungen, Verdichtungen und Schwingungen der Farbe und lässt das unmittelbar Wahrnehmbare mit dem Undefinierten koexistieren.

Diese schwebende Qualität ist nicht gleichbedeutend mit einem Mangel an Konstruktion. Die Komposition ist sorgfältig organisiert, auch wenn sie einer Erscheinung anvertraut zu sein scheint. Die Figuren gewinnen gerade dadurch an Stärke, dass sie nicht völlig fixiert sind: Der Betrachter nimmt durch seinen Blick an ihrer Entstehung teil. Das Thema Erinnerung wird so untrennbar mit der Art und Weise verbunden, wie mit der Bildoberfläche umgegangen wird.

Die Langsamkeit der Erscheinung ist ein grundlegender Aspekt seiner Arbeit. Auf den ersten Blick mag ein Gesicht, ein Baum oder eine Umgebung erkennbar sein; Bei längerer Betrachtung scheinen sich die Formen zu verändern, da ihre Grenzen für das Umgebungslicht durchlässig bleiben. Die Malerei bietet nicht immer eine klare Trennung zwischen Figur und Grund. Durch die Verglasung können frühere Schichten sichtbar gemacht werden, während chromatische Verdickungen Teile des Bildes in einer Zone der Ungewissheit zurückhalten. Es ist eine Arbeitsweise, die den Betrachter aktiv macht: Die Figur ist nicht nur etwas, das es zu erkennen gilt, sondern etwas, das sich im Laufe der Zeit der Wahrnehmung aufbaut. Die Erinnerung greift nicht als illustriertes Thema ein; es manifestiert sich in dem Gefühl, dass das Bild gleichzeitig zur Gegenwart und zu einer schwer einzuordnenden Vergangenheit gehört. Die Entscheidung, die Formen nicht vollständig zu schließen, legt auch Wert auf visuelle Pausen. Weniger definierte Bereiche können Distanz zwischen Charakteren erzeugen oder ein Licht suggerieren, das die gesamte Szene durchdringt. Der Betrachter erhält keine bereits abgeschlossene Geschichte: Er muss sich mit einem Bild auseinandersetzen, das sich während der Betrachtung immer wieder verändert.

Zeichnen, Schreiben und Arbeiten auf Papier

Die Tätigkeit eines Schriftstellers geht mit der eines Malers einher und trägt dazu bei, die Tiefe seiner Beziehung zu Bildern zu verdeutlichen. In Zeichnungen und Arbeiten auf Papier kann die Recherche intimer werden: Das Zeichen und die Farbflächen suggerieren Präsenzen, ohne diese unbedingt in allen Einzelheiten zu definieren. Die Arbeit ist nicht nur ein Vorbereitungsraum, sondern ein autonomer Ort des Experimentierens.

Bei der Betrachtung eines grafischen Werks muss überprüft werden, ob es sich um eine Originalzeichnung, einen Kunstdruck oder eine Reproduktion handelt, wobei die Zuschreibung nicht dokumentierter Techniken vermieden werden muss. Die Stärke seiner Malerei liegt in der Fähigkeit, die Unsicherheit der Wahrnehmung sichtbar zu machen: Jedes Bild scheint eine Zeit zu bewahren, die sich von der unmittelbaren Beobachtung unterscheidet, und lädt zu einer langsamen und persönlichen Begegnung ein.

Die Beziehung zwischen Malerei und Schrift fügt eine wichtige Dimension hinzu. In beiden Sprachen achtet Savinio auf die Fähigkeit von Bildern, etwas hervorzurufen, das nicht vollständig beschrieben werden kann. Das Wort kann die Vision widerspiegeln, während die Farbe ihre Autonomie behält, die nicht auf die Geschichte reduziert werden kann. Dieser Unterschied hilft, allzu literarische Interpretationen der Werke zu vermeiden: Das Gemälde ist nicht die einfache Illustration eines Textes. Auch in Zeichnungen kann die Beziehung zwischen Zeichen und Leere mit begrenzten Mitteln eine intensive Präsenz erzeugen. Für einen Katalogeintrag ersetzt jedoch die poetische Qualität nicht die materiellen Daten: Technik, Träger, Maße, eventuelle Inschriften und Provenienz müssen überprüft werden. Es ist angebracht, ein Unikat auf Papier von einem Editionsdruck zu unterscheiden und nicht allein aus der Optik auf den Vorgang zu schließen. Die beschreibende Präzision ermöglicht es uns, uns der Komplexität der Arbeit zu nähern, ohne sie zu vereinfachen.