Pino Pinelli

Pino Pinelli (Catania, 1938 – Mailand, 2024) war einer der Protagonisten der italienischen Bildforschung, die sich seit den siebziger Jahren rund um die Natur des Gemäldes entwickelte. Sein Werk ist mit der Analytischen Malerei verbunden, hat jedoch durch die fortschreitende Umwandlung der Oberfläche in autonome Elemente, die direkt an der Wand platziert werden, eine persönliche Physiognomie angenommen. Die vom Rahmen befreite Farbe repräsentiert nichts: Sie wird zu einer konkreten Präsenz im Raum.

Von der Bildoberfläche bis zu ihrer Zerlegung

Nach seinem Umzug nach Mailand kam Pinelli mit einem künstlerischen Umfeld in Kontakt, das nach informellen und konzeptionellen Erfahrungen daran interessiert war, die Werkzeuge der Malerei neu zu überdenken. Anstatt die Farbe aufzugeben, stellte er ihre Funktionsweise in Frage: Was macht eine Oberflächenfarbe aus? Welche Beziehung besteht zwischen Pigment, Träger, Kante und Wand? Die Antwort reifte durch fortschreitende Forschung, in der das chromatische Material immer größere Autonomie erlangte.

Die ersten Experimente mit monochromen Oberflächen führten zu einer Vorstellung des Gemäldes nicht mehr als Fenster oder geschlossenes Rechteck, sondern als eine Reihe materieller Präsenzen. Die für sein Werk charakteristisch gewordene Verbreitung besteht darin, einzelne Bildelemente direkt an der Wand in Rhythmen und Beziehungen anzuordnen, die den umgebenden Raum einbeziehen. Dabei handelt es sich nicht um zufällige Fragmente eines verlorenen Gemäldes: Jedes Element trägt zu einer offenen Gesamtstruktur bei.

Die Zerlegung des Gemäldes verändert die Beziehung zum Betrachter radikal. In einem traditionellen Gemälde begrenzt der Rand ein autonomes Blickfeld; In Pinellis Verbreitungen weist das Werk jedoch keinen einzigen rechteckigen Umfang mehr auf. Die Farbelemente werden an der Wand angeordnet und die Abstände zwischen ihnen werden Teil der Komposition. Der umgebende Raum kann nicht ignoriert werden, da er den Rhythmus und die Richtung des Ganzen mitbestimmt.

Diese Passage ist das Ergebnis einer geduldigen Reflexion über die eigentliche Bedeutung der Malerei. Pinelli ersetzt das Gemälde nicht durch irgendein Objekt: Er bewahrt die Farbe und ihre sensible Qualität, verändert aber den Standort. Der Träger ist nicht mehr nur eine durchgehende Fläche; es wird zu einer Reihe autonomer Körper, die eine gegenseitige Beziehung pflegen. Die Transformation ist konzeptionell und zugleich unmittelbar sichtbar.

Farbe als Körper im Raum

Pinellis Werke zeichnen sich durch dichte, oft samtige Farboberflächen aus, die Licht auf besondere Weise absorbieren und zurückgeben. Rot-, Blau-, Gelb-, Schwarz- und andere Farbtöne präsentieren sich als Materie und nicht als einfache Farbverteilung auf einem Hintergrund. Der Effekt hängt von der Konsistenz des Pigments, der Form der einzelnen Elemente und dem Abstand zwischen ihnen ab.

Die Wand ist kein neutraler Träger: Sie tritt durch die leeren Zwischenräume in die Komposition ein. Wenn Sie sich der Arbeit nähern, nehmen Sie die physische Qualität der Oberflächen wahr; Wenn man sich entfernt, kommt der Rhythmus des Arrangements zum Vorschein. Diese Doppelerfahrung macht es schwierig, seine Werke auf eine Frontalfotografie zu reduzieren, da Größe, Dicke und Beziehung zur Architektur einen wesentlichen Teil davon ausmachen.

Die Beschaffenheit der Oberflächen ist entscheidend für das Verständnis dieser Arbeiten. Chromatische Materie wird nicht nur durch ihren Farbton wahrgenommen, sondern auch durch ihre Fähigkeit, Licht zu absorbieren. Das weiche und kompakte Erscheinungsbild der Elemente kann eine haptische Qualität suggerieren und gleichzeitig ein visuelles Erlebnis bleiben. Diese Spannung zwischen dem, was wir sehen, und dem, was wir berühren, ist eines der originellsten Merkmale seiner Malerei.

Die Anordnung der Elemente entspricht nicht unbedingt einer geschlossenen geometrischen Figur. Es kann auf Ausdehnung, Zerstreuung, Konzentration oder Bewegung sowie Veränderungen je nach Entfernung hinweisen. Eine enge Sequenz sorgt für ein schnelles Tempo; ein größeres Intervall führt eine Pause ein. Die Wand nimmt somit mit ihrer Farbe, ihren Abmessungen und dem Licht der Umgebung an der Arbeit teil.

Der Umfang der Arbeit verändert auch die Wahrnehmung. Eine kleine Anzahl von Elementen lädt zur genauen Beobachtung ein, während eine große Verbreitung das gesamte Sichtfeld umfassen kann. In beiden Fällen erhält die Farbe eine physische Identität, die eine einfache zweidimensionale Reproduktion nicht vollständig wiederherstellen kann.

Analytische Malerei und Autonomie des Werkes

Die Nähe zur Analytical Painting liegt in der Aufmerksamkeit für den Prozess, den Träger und die Materialität der Malerei. Pinelli beschränkt sich jedoch nicht darauf, die Sprache der Malerei zu beschreiben: Er setzt sie in Bewegung und lässt die Farbe aus den Grenzen des Bildes hervortreten. Seine Forschung behält eine starke sensible Komponente bei, bei der formale Präzision mit einer fast taktilen Wahrnehmung des Materials koexistiert.

Wenn Sie auf Arbeiten auf Papier, Multiples oder Editionen stoßen, die mit dem Künstler in Verbindung stehen, ist es wichtig, sie von seinen dreidimensionalen Bildwerken zu unterscheiden. Ein Originalwerk, ein Multiple und eine Reproduktion erfordern unterschiedliche Beschreibungen, auch wenn sie dasselbe Motiv verwenden. Materialien, Maße, Auflage, Signatur und Dokumentation müssen überprüft werden, ohne dass allein aus dem Erscheinungsbild des Bildes auf die Technik geschlossen werden darf.

Pinellis Stärke liegt darin, gezeigt zu haben, dass sich die Malerei im Raum ausdehnen kann, ohne aufzuhören, Malerei zu sein. Seine Verbreitungen laden uns ein, nicht nur die Farbe zu beobachten, sondern auch die Leere, die sie umgibt, und die Beziehungen, die sie lebendig machen.

Der Bezug zur Analytischen Malerei darf diese räumliche Dimension nicht verdecken. Während viele Künstler die Werkzeuge und Gesten der Malerei innerhalb der Oberfläche untersuchen, entwickelt Pinelli ein Gemälde, das sich direkt mit Architektur auseinandersetzt. Die Wand ist nicht nur der Ort der Ausstellung: Sie geht in die Definition des Werkes ein und erfordert präzise Entscheidungen über die Platzierung der Elemente.

Daraus ergibt sich auch ein besonderes Dokumentationsbedürfnis. Wenn ein Werk aus mehreren Teilen besteht, ist es wichtig, deren Anzahl, Maße, Materialien und, falls vorhanden, die Anweisungen des Künstlers für die Installation zu kennen. Ein Foto kann eine Konfiguration zeigen, aber es klärt nicht immer, ob es die einzig mögliche ist. Bei Multiples und Arbeiten auf Papier ist eine Überprüfung des Verfahrens und der Auflage erforderlich, um Verwechslungen mit den ursprünglichen Bildelementen zu vermeiden.

Pinellis Forschung lädt uns schließlich dazu ein, Leere als positives Element zu betrachten. Die nicht von Farbe eingenommenen Räume sind keine zu füllenden Lücken: Sie lassen die Komposition atmen und bringen die Beziehung zwischen den Teilen zum Vorschein. In diesem Wechsel findet die Malerei eine neue Möglichkeit, außerhalb der traditionellen Grenzen der Malerei zu existieren.