Ugo Nespolo

Nato a Mosso Santa Maria, nel Biellese, nel 1941, Ugo Nespolo ha attraversato oltre mezzo secolo di arte italiana senza accettare una separazione rigida fra pittura, cinema, design, artigianato e comunicazione. Le sue immagini, riconoscibili per la vivacità cromatica e per le forme scomposte e ricomposte come tessere di un gioco, sembrano spesso offrire allo spettatore un piacere immediato. Dietro quella leggerezza si trova però una riflessione costante sui linguaggi dell'arte, sul ruolo dei musei e sulla circolazione delle immagini nella società contemporanea. L'ironia, per Nespolo, non è un ornamento superficiale: è un modo per osservare criticamente le convenzioni culturali e per sottrarre l'opera alla solennità che talvolta la circonda.

Gli esordi torinesi e il confronto con le avanguardie

Formatosi all'Accademia Albertina di Torino e laureato in Lettere Moderne, Nespolo avvia la propria attività negli anni Sessanta, in una città dove la sperimentazione artistica si intreccia con le trasformazioni industriali e sociali. Entra in relazione con artisti quali Lucio Fontana, Enrico Baj e Michelangelo Pistoletto e si confronta con il clima della Pop Art, del Neodadaismo e delle ricerche concettuali e poveriste. Nessuna di queste esperienze diventa però una formula esclusiva: ciò che lo interessa è la libertà di spostarsi fra materiali e procedimenti, mettendo in discussione la nozione di quadro come superficie tradizionale.

Il riferimento alla cultura popolare e agli oggetti della vita quotidiana si accompagna a una conoscenza approfondita della storia dell'arte. Nespolo può riprendere un'immagine familiare, una figura del museo o un segno pubblicitario e trasformarli in una composizione frammentata, nella quale l'osservatore riconosce il soggetto ma deve ricostruirne mentalmente l'ordine. Le sagome ritagliate, gli intarsi e le superfici dai contorni netti rendono evidente questo interesse per l'immagine come costruzione. La precisione dell'esecuzione convive con un gusto dichiarato per l'imprevisto e il paradosso.

In questo procedimento il riferimento culturale non viene semplicemente citato: è sottoposto a una trasformazione che ne cambia il ritmo e il modo di essere percepito. L'osservatore può riconoscere una fonte storica, ma è invitato a interrogarsi su ciò che accade quando l'immagine viene sottratta al suo contesto e inserita in un sistema di colori e incastri. È una riflessione sulla memoria visiva contemporanea, nella quale capolavori, pubblicità e oggetti familiari convivono nello stesso immaginario.

Il museo come immagine e il cinema come laboratorio

Un passaggio significativo è rappresentato dal grande lavoro Il Museo, sviluppato nella metà degli anni Settanta. Qui la storia dell'arte diventa materia di una nuova invenzione: citazioni e riferimenti vengono rimontati in una visione personale, quasi che il museo fosse un repertorio da attraversare e reinterpretare anziché un luogo di contemplazione immobile. Questo atteggiamento spiega la frequente presenza, nella sua opera, di rimandi ad artisti e capolavori celebri, trasformati attraverso un lessico visivo vivace e ironico.

Parallelamente Nespolo si dedica al cinema sperimentale, iniziato già nella seconda metà degli anni Sessanta. Nei film d'artista l'immagine in movimento gli consente di indagare montaggio, durata, gesto e comportamento, ampliando il terreno della pittura. La partecipazione di amici artisti ai suoi progetti testimonia il carattere collettivo e interdisciplinare di quella stagione. L'interesse per il cinema non rimane un episodio marginale: le sue opere filmiche sono state oggetto di rassegne in importanti istituzioni, fra cui il Centre Pompidou di Parigi.

Il montaggio cinematografico offre anche una chiave per leggere le composizioni pittoriche: elementi distinti vengono accostati e assumono significato attraverso la relazione reciproca. Nella pittura questa operazione è simultanea, perché l'occhio percorre liberamente la superficie; nel film si sviluppa nel tempo. Nespolo mette così alla prova la stessa curiosità attraverso linguaggi che, pur differenti, condividono il piacere della costruzione e dello spiazzamento.

Pittura, intarsio, grafica e arti applicate

Dagli anni Settanta in avanti la sperimentazione sui materiali assume un'importanza crescente. Legno intagliato, tessuti, ceramica, metalli e altri supporti offrono possibilità diverse di costruire il colore e il rilievo. Il carattere apparentemente giocoso delle composizioni richiede spesso una lavorazione minuziosa: l'immagine è scomposta in elementi che devono poi ritrovare un equilibrio complessivo. L'attenzione al lavoro artigianale permette di superare la distinzione fra opera unica e oggetto d'uso, mentre le collaborazioni con il mondo del design e della comunicazione portano la sua estetica fuori dagli spazi espositivi.

L'intarsio, in particolare, rende evidente che il colore può essere costruito materialmente anziché soltanto steso con il pennello. Il profilo di ogni elemento deve dialogare con quelli vicini, e la composizione si definisce anche attraverso tagli, giunzioni e spessori. Questo aspetto progettuale avvicina l'opera a una pratica di laboratorio, senza diminuirne la libertà inventiva. Il risultato mantiene una qualità manuale che una semplice riproduzione fotografica non restituisce interamente.

Anche la grafica originale occupa un posto importante nel suo percorso. Serigrafie e altre edizioni su carta consentono di valorizzare campiture nette, sovrapposizioni e rapporti fra colori, ma non tutte le opere che presentano il suo stile sono realizzate con la stessa tecnica. Una serigrafia originale, una litografia, una stampa digitale autorizzata e una riproduzione editoriale hanno caratteristiche materiali ed editoriali differenti. Per la corretta identificazione di un esemplare occorre quindi considerare procedimento, supporto, firma, tiratura e documentazione, senza dedurre l'autenticità dalla sola riconoscibilità dell'immagine.

L'arte di Nespolo conserva un equilibrio particolare fra accessibilità e ricerca intellettuale.

Anche la scelta di operare in ambiti diversi, dall'editoria agli oggetti, pone una questione importante: dove comincia e dove finisce l'opera d'arte? Nel suo percorso la circolazione delle immagini non è necessariamente una perdita di valore, ma un'occasione per raggiungere pubblici differenti. Resta tuttavia indispensabile distinguere, nella catalogazione, un lavoro originale, un multiplo progettato dall'artista e un prodotto che ne riprende il linguaggio. La chiarezza di queste categorie aiuta a comprendere meglio la varietà della sua produzione. Il colore invita a entrare nell'opera, mentre la citazione, il frammento e l'ironia chiedono di interrogarsi su ciò che vediamo. È una pittura che conosce profondamente il museo ma non rinuncia alla strada, al cinema e agli oggetti quotidiani: proprio in questa apertura risiede la continuità del suo lavoro.