Tano Festa

Una persiana chiusa, una finestra inutilizzabile o un frammento di Michelangelo possono diventare immagini radicalmente contemporanee. Tano Festa, protagonista della Scuola di Piazza del Popolo, ha costruito una Pop Art italiana nutrita non soltanto di oggetti quotidiani e tecniche fotografiche, ma anche della memoria visiva del Rinascimento. Il suo lavoro trasforma ciò che è familiare in qualcosa di inatteso, sospeso fra citazione, ironia e malinconia.

Roma e la Scuola di Piazza del Popolo

Tano Festa nasce a Roma il 2 novembre 1938. Nel 1952 si iscrive all'Istituto d'Arte di Roma. Nel 1957 consegue il diploma in Fotografia Artistica. La formazione fotografica avrà un'importanza fondamentale nella successiva ricerca, soprattutto per l'utilizzo di immagini proiettate, riproduzioni e procedimenti legati alla trasformazione della fotografia. Durante gli anni giovanili entra in contatto con Mario Schifano, Franco Angeli e altri protagonisti della nuova scena artistica romana. Tra questi figurano Renato Mambor, Giosetta Fioroni, Cesare Tacchi e Jannis Kounellis.

Alla fine degli anni Cinquanta Festa partecipa all'ambiente culturale che verrà successivamente identificato come Scuola di Piazza del Popolo. Il gruppo non costituisce un movimento rigidamente organizzato. Riunisce artisti accomunati dall'interesse per il superamento dell'Informale e per nuovi linguaggi visivi. Il Caffè Rosati e la Galleria La Tartaruga diventano luoghi fondamentali di incontro. Festa sviluppa una ricerca personale, nella quale l'oggetto e la memoria dell'arte assumono un ruolo centrale.

I disegni giovanili di Festa presentano riferimenti al Surrealismo e alla pittura gestuale. L'artista guarda con interesse alle opere di Roberto Matta e ad alcune esperienze dell'astrazione internazionale. Nel 1959 partecipa a una mostra collettiva alla Galleria La Salita di Roma, insieme a Franco Angeli e Giuseppe Uncini. La partecipazione segna l'ingresso nella scena artistica romana.

Nel 1960 Festa abbandona progressivamente la gestualità informale. Realizza i primi dipinti monocromi, caratterizzati da superfici dominate da un solo colore. Il rosso assume una particolare importanza. La superficie può essere attraversata da strisce di carta o elementi che ne modificano il ritmo. L'artista sviluppa una pittura nella quale il colore e la struttura materiale diventano protagonisti.

Nel 1961 Festa introduce listelli di legno nelle composizioni. La superficie pittorica assume una dimensione più oggettuale. Il quadro non viene più considerato soltanto un piano sul quale applicare colore. Diventa una struttura fisica. Questa trasformazione prepara il successivo interesse per gli oggetti quotidiani.

Nel 1962 Festa inizia a utilizzare porte, finestre, persiane e armadi. Gli oggetti vengono ricostruiti secondo i suoi progetti, spesso privati delle funzioni originarie. Una finestra può essere chiusa e non permettere alcuna visione. Una porta può perdere la possibilità di essere aperta. L'oggetto diventa un'immagine autonoma. La trasformazione introduce una dimensione enigmatica, nella quale il significato quotidiano viene sospeso.

Le opere oggettuali avvicinano Festa alle esperienze del New Dada e del Nouveau Réalisme. Nel 1962 partecipa alla mostra The New Realists alla Sidney Janis Gallery di New York. L'esposizione riunisce artisti interessati alla trasformazione dell'oggetto e delle immagini della vita contemporanea. Festa sviluppa tuttavia un linguaggio differente rispetto alla Pop Art americana. Il suo repertorio comprende soprattutto oggetti, simboli e riferimenti alla storia dell'arte italiana.

Dai monocromi agli oggetti

La Pop Art italiana si distingue per il rapporto con il patrimonio artistico e culturale. Festa utilizza immagini che appartengono alla memoria collettiva. I capolavori del Rinascimento diventano soggetti contemporanei. La citazione non ha necessariamente un carattere celebrativo. Può introdurre una riflessione sulla riproduzione delle immagini e sul loro significato nella società moderna.

Il rapporto con Michelangelo rappresenta uno degli aspetti più riconoscibili della produzione di Festa. L'artista riprende particolari delle opere del maestro rinascimentale, trasformandoli attraverso colore, ingrandimento e semplificazione. Le immagini possono essere proiettate sulla superficie e successivamente rielaborate. Il frammento assume un significato autonomo. La figura originale viene sottratta al contesto storico e inserita in una nuova composizione.

Nel 1967, durante un soggiorno a New York, Festa realizza opere appartenenti alla serie Michelangelo according to Tano Festa. Le immagini derivano soprattutto dalle figure delle Tombe Medicee. L'artista modifica proporzioni, colori e rapporti spaziali. Il linguaggio contemporaneo entra così in dialogo con la tradizione rinascimentale. La citazione diventa un procedimento creativo capace di trasformare il significato dell'immagine.

Un altro elemento importante della produzione di Festa è il cielo. Le superfici azzurre attraversate da nuvole assumono spesso un significato simbolico. Il tema è legato anche alla memoria del fratello Francesco Lo Savio, artista morto nel 1963. Nel 1967 Festa realizza Il Cielo, opera monumentale dedicata al fratello. La composizione trasforma una struttura materiale in un'immagine evocativa. Il cielo diventa uno spazio di memoria e assenza.

Negli anni Settanta Festa continua a confrontarsi con la storia della pittura. Utilizza riferimenti a Michelangelo, Leonardo, Manet, Cézanne e altri artisti. Le immagini possono essere accompagnate da scritte o ridotte a frammenti. La citazione non coincide con una copia fedele. L'artista modifica il soggetto attraverso il proprio linguaggio. La memoria dell'arte diventa una componente della contemporaneità.

La formazione fotografica di Festa contribuisce a definire alcune delle sue tecniche. L'artista utilizza immagini proiettate e procedimenti che permettono di trasferire figure sulla superficie. In alcune opere impiega tele emulsionate, smalti e aniline. Il rapporto tra fotografia e pittura permette di introdurre immagini preesistenti all'interno di composizioni nuove. La tecnica assume quindi una funzione centrale nella trasformazione del soggetto.

La produzione di Festa comprende anche serigrafie, litografie e altre opere grafiche. Le tecniche di stampa risultano coerenti con il suo interesse per la riproduzione e la trasformazione delle immagini. La serigrafia permette di lavorare attraverso campiture cromatiche e immagini derivate da matrici. La litografia consente invece una relazione più diretta con il disegno. Le edizioni grafiche possono riprendere soggetti ricorrenti, tra cui Michelangelo, le figure rinascimentali e i motivi simbolici.

Michelangelo, fotografia e memoria

La serigrafia occupa una posizione significativa nella diffusione delle immagini di Festa. Il procedimento permette di costruire composizioni attraverso passaggi successivi di colore. Le forme possono essere semplificate e organizzate in campiture definite. La stampa si presta particolarmente al linguaggio pop, fondato sulla trasformazione di immagini già conosciute. Per la catalogazione è necessario distinguere tra serigrafie originali, riproduzioni e stampe realizzate successivamente. La presenza della firma o della numerazione deve essere verificata sulla singola opera.

Negli anni Ottanta Festa sviluppa una pittura caratterizzata da una maggiore libertà gestuale. I soggetti comprendono ritratti, figure fantastiche e immagini legate alla letteratura. L'artista utilizza frequentemente l'acrilico. Tra le ricerche più riconoscibili figurano i Coriandoli, composizioni nelle quali piccoli elementi colorati vengono applicati sulla superficie pittorica. Il colore assume una presenza vivace e dinamica.

Nel corso della carriera Festa partecipa a numerose esposizioni. È presente alla Biennale di Venezia del 1964 e torna alla manifestazione in edizioni successive. Le sue opere vengono presentate in importanti gallerie e musei italiani e internazionali. Nel 1993 la Biennale di Venezia dedica una mostra a Tano Festa e al fratello Francesco Lo Savio. L'esposizione contribuisce a ricostruire il rapporto tra due protagonisti differenti della ricerca artistica romana.

Tano Festa muore a Roma il 9 gennaio 1988. La sua carriera, relativamente breve, attraversa alcuni dei momenti fondamentali del rinnovamento dell'arte italiana del dopoguerra. Dall'Informale ai monocromi, dagli oggetti alla reinterpretazione dei capolavori rinascimentali, l'artista sviluppa una ricerca in continua trasformazione.

Tano Festa occupa una posizione centrale nella storia della Pop Art italiana. La sua originalità consiste soprattutto nell'aver trasformato il patrimonio artistico del passato in un repertorio di immagini contemporanee. Attraverso pittura, oggetti, fotografia e grafica, sviluppa un linguaggio nel quale memoria, riproduzione e invenzione diventano elementi inseparabili.