Simona Weller

Simona Weller (Rome, 1940) a construit un parcours artistique dans lequel peinture et écriture se rencontrent au point de devenir des parties indissociables d'un même langage. Ses toiles peuvent rappeler des pages, des paysages, des tableaux noirs et des surfaces traversées d'alphabets imaginaires : le signe commence parfois comme une lettre, mais se transforme progressivement en rythme, texture et couleur. L'artiste a accompagné cette recherche visuelle d'une importante activité littéraire, dédiée notamment à la reconstitution du rôle des femmes dans l'histoire de l'art.

Formation et rencontre avec d'autres cultures

Après des études classiques, Weller fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Rome et entre en contact avec des maîtres tels que Ferruccio Ferrazzi et Mario Mafai. Cependant, l'expérience de formation ne se limite pas au milieu italien. Grâce à des bourses et des séjours en Thaïlande et en Egypte, l'artiste découvre des systèmes d'écriture et des traditions figuratives très différentes de celles occidentales. L'intérêt pour les caractères qu'elle ne peut déchiffrer devient particulièrement fécond : avant même d'être lue, l'écriture peut être observée comme une succession de formes, d'intervalles et de mouvements.

De cette intuition naît une peinture qui ne se limite pas à représenter des mots. Les signes peuvent s'épaissir en surfaces denses, s'interrompre en pauses lumineuses ou s'élargir pour devenir de véritables fonds chromatiques. L'œuvre nous invite à un double regard : on a la sensation d'être face à un message, mais son sens ne dépend pas d'une traduction littérale. C'est la composition dans son ensemble qui communique.

L'attention portée aux alphabets rencontrés au cours des voyages ouvre également une question sur le rapport entre familiarité et différence. Une lettre inconnue n'est pas un signe sans valeur pour l'observateur occidental : elle conserve une direction, un poids, une cadence. Weller reprend la suggestion sans prétendre traduire une culture en ornement exotique. Dans sa peinture, l'expérience du voyage se transforme en une réflexion sur la façon dont naissent les langues et sur la minceur de la frontière entre communication et image. La répétition des traits produit parfois l'impression d'un tissu ; ailleurs les ouvertures entre les signes rappellent le souffle d'une page manuscrite. Dans les deux cas le tableau nécessite un temps d'observation différent de celui nécessaire pour reconnaître un sujet figuratif.

Peinture-écriture et les années 70

En 1973, la participation à la Xe Quadriennale de Rome fait connaître aux critiques les grandes toiles dans lesquelles l'écriture se mêle à la peinture. Weller se trouve dans une période d'expérimentation sur le langage, mais conserve une sensibilité autonome, attentive à la dimension physique du geste et à la mémoire personnelle. Dans ses œuvres le signe peut évoquer un effacement, une phrase répétée, une note laissée sur un tableau ou un paysage vu de loin.

La participation à la Biennale de Venise de 1978, dans la section Matérialisation du langage organisée par Mirella Bentivoglio, constitue un moment significatif de ce parcours. L'œuvre Journal sur le mur, réalisée entre 1977 et 1978, rassemble écriture, collage, couleur et intervalles vides, montrant l'importance que l'artiste accorde non seulement aux signes, mais aussi aux pauses qui les séparent. La relation entre mot et image devient ainsi une enquête sur le temps, la mémoire et la construction de l'identité.

Le journal est une clé de lecture utile en cette saison, à condition de ne pas l'entendre comme un aveu à déchiffrer mot pour mot. La succession de signes suggère la continuité des jours, tandis que les suppressions et superpositions évoquent le caractère sélectif de la mémoire. Une surface picturale peut contenir quelque chose et le cacher en même temps : cette oscillation donne de la profondeur aux compositions. Le rapport avec la recherche verbo-visuelle de l'époque est évident dans l'attention portée à la lettre comme élément autonome, mais Weller conserve une forte sensibilité picturale. La couleur n'est pas utilisée pour illustrer le texte ; il modifie le rythme, interrompt sa régularité, rend une voix perceptible même lorsqu'il n'y a pas de mots lisibles. La participation aux grandes expositions des années 70 permet d'inscrire ces recherches dans le débat sur le langage et la présence des artistes féminines, sans effacer leur identité individuelle.

Peinture, céramique et écriture littéraire

Au fil des années, Weller a également élargi sa production pour inclure la céramique, maintenant son intérêt pour la surface en tant que lieu d'inscription et de transformation. La matière introduit une dimension supplémentaire : le signe n'est plus simplement tracé sur une toile, mais peut adhérer à un objet, suivre son volume et dialoguer avec la lumière.

En parallèle, l'artiste publie des essais et des ouvrages narratifs consacrés à la créativité féminine. Avec Le Complexe Michel-Ange et d'autres écrits, elle contribue à interroger les raisons historiques de la visibilité limitée des artistes féminines ; dans les biographies fictionnelles consacrées à Angelica Kauffmann, Suzanne Valadon et Benedetta Cappa, elle entremêle documentation et récit. Cette activité n'est pas distincte de la peinture : dans les deux cas, Weller tente de donner voix à des expériences et à des langages souvent négligés.

Pour les œuvres sur papier, il est important de distinguer les dessins originaux, les collages, les éventuels tirages d'art et reproductions, en vérifiant la technique, la signature, le support et le tirage. L'originalité de ses recherches réside dans la capacité à rendre l'écriture visible et la peinture lisible, au sens poétique.

L'écriture littéraire offre un autre point d'accès à sa poétique. Reconstituer la vie d’un artiste du passé, c’est traiter d’archives incomplètes, de jugements sédimentés et de témoignages souvent filtrés par des regards masculins. Le travail narratif de Weller aborde ces absences par la recherche et l'imagination, distinguant les données historiques de la liberté du récit. Quelque chose de similaire se produit dans les toiles : ce qui n’est pas explicitement écrit reste néanmoins présent comme trace ou possibilité. C'est aussi pour cette raison que sa production doit être observée dans les différences entre la peinture, le collage et la céramique. Un signe dessiné au pinceau, un fragment appliqué et un décor sur argile produisent différentes expériences matérielles. Dans une description d'œuvre, indiquer précisément le support et le processus permet de comprendre non seulement la valeur du collectionneur, mais aussi la manière dont l'artiste a construit son propre langage.