Piero Guccione

Vor vielen Gemälden von Piero Guccione scheint nur sehr wenig zu geschehen: Eine Linie trennt das Meer vom Himmel, ein sanftes Licht verändert die Farbe des Wassers, eine kaum wahrnehmbare Tonwertnuance lässt die Entfernung erahnen. Doch gerade diese scheinbare Unbewegtheit ist die Stärke seiner Malerei. Guccione lädt dazu ein, länger hinzusehen, bis man erkennt, dass eine Landschaft nie mit sich selbst identisch ist und dass sich die Wahrnehmung mit dem Licht, der Zeit und der Erinnerung des Betrachters verändert. Sein Werk, das Ölmalerei, Pastell, Zeichnung und Radierung umfasst, zählt zu den persönlichsten Untersuchungen des Verhältnisses von Bild und Kontemplation in der italienischen Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Guccione wird 1935 in Scicli geboren, studiert am Kunstinstitut in Catania und zieht 1954 nach Rom. In der Hauptstadt kommt er mit der figurativen Malerei und mit Künstlern in Kontakt, die sich mit der zeitgenössischen Wirklichkeit auseinandersetzen, darunter Ugo Attardi und Renzo Vespignani. Seine erste Einzelausstellung, die 1960 in der Galleria Elmo stattfindet, fällt in eine noch für unterschiedliche Einflüsse offene Phase der Suche. Nach und nach wendet sich der Künstler jedoch von einer Darstellung ab, die auf Erzählung und Ereignis ausgerichtet ist, und entwickelt sich hin zu Bildern, in denen das Motiv zum Ausgangspunkt einer stilleren Betrachtung wird.

Die Sahara und die Entdeckung der Beständigkeit von Bildern

Eine außergewöhnliche Erfahrung begleitet diese Jahre der Ausbildung. Zwischen 1958 und 1969 nimmt Guccione an den von dem Archäologen Fabrizio Mori geleiteten paläoethnologischen Expeditionen in der libyschen Sahara teil und wirkt an der Dokumentation von Felsmalereien und Felsritzungen mit. Die Arbeit erfordert einen aufmerksamen Blick für die Oberflächen, die Qualität der Zeichen und die Beziehung zwischen den Bildern und der Umgebung, in der sie erhalten sind. 1961 organisiert Guccione an der Columbia University in New York eine Ausstellung zu diesen Materialien, die später auch an anderen amerikanischen Universitäten gezeigt wird.

Es wäre nicht richtig, diese Erfahrung als einzige Erklärung für seine spätere Malerei zu betrachten. Doch die Auseinandersetzung mit Bildern, die über sehr lange Zeiträume hinweg überdauert haben, beleuchtet einen wichtigen Aspekt seiner Sensibilität: den Wunsch, das zu beobachten, was bestehen bleibt, während sich alles verändert. In den sechziger Jahren festigt Guccione auch seine Rolle in der italienischen Kunstszene. 1966 nimmt er erstmals an der Biennale von Venedig teil und ist in Rom, wo er als Assistent von Renato Guttuso an der Akademie der Bildenden Künste tätig ist, in der Lehre aktiv. Der Dialog mit der zeitgenössischen Figuration setzt sich fort, während seine Bildsprache immer unverkennbarer wird.

Das Meer, der Horizont und das Licht Siziliens

Die Beziehung zu Sizilien und zur mediterranen Landschaft gewinnt zunehmend an Bedeutung. Guccione setzt sich erneut mit vertrauten Orten auseinander, sucht jedoch nicht nach einem pittoresken Bild von ihnen. Das Meer wird zum Gegenstand einer geduldigen Untersuchung, die häufig mit auf wenige Elemente reduzierten Kompositionen arbeitet: eine Wasserfläche, der Himmel, der Horizont. In diesen Gemälden ist die Linie, die die beiden Bereiche trennt, nicht nur eine geografische Gegebenheit. Sie ist eine visuelle Schwelle, die die Distanz spürbar macht und etwas andeutet, dem der Blick folgen kann, ohne es zu erreichen.

Die einfache Komposition rückt die Farbe in den Vordergrund, die durch minimale Variationen gestaltet wird. Ein Blau kann kühler werden, ein Grau unerwartete Leuchtkraft gewinnen, ein hellerer Streifen kann den Wandel der Luft andeuten. Guccione verzichtet nicht auf die Darstellung der Natur, sondern reduziert ihre Elemente, bis die Erfahrung des Sehens selbst hervortritt. Deshalb können einige seiner Gemälde der Abstraktion nah erscheinen und zugleich einen konkreten Bezug zur Welt bewahren. Das Motiv verschwindet nicht, sondern wird auf das Wesentliche reduziert, sodass die Beziehungen der Farben das Bild tragen.

Pastell, Zeichnung und Druckgrafik: die Erforschung des Papiers

Das Pastell ist eines der wichtigsten Medien in seinem Schaffen. Die Möglichkeit, direkt auf dem Papier mit übereinandergelegten Pigmenten zu arbeiten, sie zu verwischen oder in ihrer materiellen Beschaffenheit hervortreten zu lassen, erlaubt dem Künstler, besonders zarte Lichtübergänge zu gestalten. Im Vergleich zum Ölbild geht das Pastell eine andere Beziehung zur Oberfläche ein: Die Körnung des Trägers bleibt wahrnehmbar und trägt zur Gesamtwirkung bei. Guccione nutzt dieses Medium nicht nur für Landschaften und Meeresbilder, sondern auch für von Literatur und Theater inspirierte Werkzyklen, darunter Arbeiten zur Cavalleria rusticana von Giovanni Verga.

Die Zeichnung folgt derselben Aufmerksamkeit für wesentliche Formen, während der Originaldruck ein weiteres Experimentierfeld eröffnet. 2001 wurde eine Ausgabe der Gespräche und mathematischen Beweisgründe zu zwei neuen Wissenszweigen von Galileo Galilei mit zehn Radierungen von Guccione illustriert: eine bedeutsame Begegnung zwischen der grafischen Sprache und einem Text, der zur Geschichte der wissenschaftlichen Beobachtung gehört. Es ist jedoch wichtig, einen für eine Kunstausgabe angefertigten Druck nicht mit der fotomechanischen Reproduktion eines Gemäldes oder Pastells zu verwechseln. Auch die genaue Bezeichnung – Radierung, Aquatinta, Lithografie oder eine andere Technik – muss für jedes einzelne Werk überprüft werden, statt sie allein aus der Abbildung abzuleiten.

Im Laufe seiner Karriere erhielt Guccione bedeutende Auszeichnungen, darunter 2004 die Goldmedaille für Verdienste um Kultur und Kunst. Seine kunstwerke wurden in Retrospektiven gezeigt und sind weiterhin Gegenstand wissenschaftlicher Forschung durch die Tätigkeit des Archivio Piero Guccione. Guccione starb 2018 und hinterließ eine Malerei, die vom Betrachter eine seltene Bereitschaft verlangt: vor dem zu verweilen, was einfach erscheint, bis Licht und Farbe ihre Komplexität offenbaren. Seine Originalität liegt gerade darin, den Horizont, eines der häufigsten Motive der Landschaftsmalerei, in eine Meditation über Zeit und Wahrnehmung verwandelt zu haben.