Hans Hartung

Eine Linie kann eine Fläche wie ein plötzlicher Blitz durchqueren oder sich zu einer Abfolge von Zeichen ausbreiten, die einem musikalischen Rhythmus zu folgen scheinen. In der Malerei von Hans Hartung steht die Geste im Mittelpunkt, doch ihre scheinbare Spontaneität sollte nicht täuschen: Hinter den Bündeln schwarzer Striche, den Farbflächen und den zerkratzten Oberflächen zeigt sich eine rigorose Auseinandersetzung mit dem Verhältnis zwischen Bewegung, Wahrnehmung und Bildgestaltung. Hartung wurde 1904 in Leipzig geboren und war eine entscheidende Figur der europäischen Abstraktion, die einen Großteil des 20. Jahrhunderts durchmaß, ohne darauf zu verzichten, ihre Werkzeuge und ihre Sprache immer wieder neu zu erfinden.

Die Ursprünge der Abstraktion und die Erfahrung des Krieges

Schon in jungen Jahren pflegte Hartung Interessen, die über die Malerei hinausgingen, von Musik bis Philosophie, und gerade diese Offenheit trug dazu bei, sein Gespür für Rhythmus und die Organisation der Zeichen zu entwickeln. 1922 schuf er eine Reihe abstrakter Aquarelle, die mit erstaunlicher Frühreife einige Merkmale seines reifen Werks vorwegnahmen. Nach seinem Studium in Leipzig und Dresden führte ihn die Auseinandersetzung mit den europäischen Avantgarden zu einer Malerei, die keine erkennbaren Gegenstände mehr darstellen musste: Das Bild konnte zu einem autonomen Raum werden, der durch Spannungsverhältnisse, Richtungen und Farben organisiert war. Die Verbindung zu Frankreich festigte sich in den folgenden Jahren, und 1929 heiratete er die norwegische Malerin Anna-Eva Bergman, mit der er eine komplexe persönliche und künstlerische Beziehung teilte, die auch von einer langen Trennung und einer späteren Wiederannäherung geprägt war.

Der Zweite Weltkrieg bedeutete einen tiefen Einschnitt in seinem Leben. Hartung kämpfte in den französischen Streitkräften und erlitt eine schwere Verletzung, in deren Folge ihm ein Bein amputiert wurde. L''Erfahrung des Krieges und die Schwierigkeiten der Nachkriegszeit lassen sich nicht mechanisch als psychologische Erklärung seiner Gemälde deuten, helfen aber, die Beharrlichkeit zu verstehen, mit der der Künstler die Möglichkeiten der malerischen Geste weiter auslotete. Die Linie erzählt in seinen kunstwerke kein bestimmtes Ereignis: Sie zeichnet vielmehr Energie, Druck und Dauer auf und verwandelt den Akt des Malens in eine sichtbare Erfahrung.

Zwischen Planung und Freiheit der Geste

In den Fünfzigerjahren erlangte Hartung durch Kompositionen außerordentliche Bekanntheit, in denen schwarze, gebogene oder schräge Zeichen leuchtende Bildgründe durchziehen oder sich zu Kernen intensiver Spannung verdichten. L''Betrachter kann den Eindruck haben, einer Improvisation beizuwohnen, die in wenigen Augenblicken ausgeführt wurde. Tatsächlich bereitete der Künstler während eines wichtigen Teils seiner Laufbahn die Kompositionen sorgfältig auf Papier vor und übertrug sie anschließend auf größere Bildträger. Diese Beziehung zwischen Vorstudie und dem Eindruck von Unmittelbarkeit gehört zu den interessantesten Aspekten seiner Malerei: Die Freiheit der Linie geht nicht zwangsläufig mit dem Fehlen eines Plans einher, sondern entsteht aus einem immer wieder gesuchten Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Überraschung.

Ab den Sechzigerjahren entwickelte sich seine Methode weiter. Hartung experimentierte mit Werkzeugen, um Farbe zu sprühen, Oberflächen zu ritzen und Spuren unterschiedlicher Breite und Beschaffenheit zu erzeugen. Dadurch erweiterte er die Ausdrucksmöglichkeiten über den traditionellen Pinsel hinaus. Die Sprühungen erzeugen atmosphärische, beinahe schwerelose Zonen, während die Ritzungen in der Bildmaterie die körperliche Kraft der Bewegung sichtbar machen. Die Bildoberfläche ist also nicht nur der Ort, an dem ein Bild angeordnet wird: Sie wird zum konkreten Ergebnis verschiedener Verfahren, von denen jedes eine besondere Qualität der Spur hinterlassen kann. Diese ständige Neuerfindung verhindert, Hartung auf die Formel eines immer gleichen gestischen Abstraktionismus zu reduzieren.

Radierung, Lithografie und grafische Forschung

Die Originalgrafik nimmt in Hartungs Werdegang einen wichtigen Platz ein, da sie ihm neben der Malerei ein paralleles Experimentierfeld bot. L'Der Künstler erprobte Verfahren wie Radierung, Aquatinta, Kaltnadel, Lithografie und Holzschnitt und setzte sich dabei jeweils mit den Eigenschaften der Druckplatte und des Materials auseinander. Im Tiefdruck entsteht das Zeichen durch das Gravieren oder Bearbeiten einer Oberfläche, die anschließend die Farbe aufnimmt; in der Lithografie hingegen kann die Beziehung zur Zeichnung unmittelbarer sein. Dabei geht es nicht nur um technische Unterschiede: Jedes Verfahren verändert das Verhältnis zwischen der Geschwindigkeit der Geste, dem Widerstand des Trägers und der Qualität des gedruckten Bildes.

L'Das Interesse am Druck sollte daher nicht als bloßer Wunsch verstanden werden, Gemälde in mehreren exemplaren zu reproduzieren. In vielen grafischen kunstwerke gewinnt das Zeichen eine eigene Autonomie, geprägt von feinen Linien, deutlichen Kontrasten oder tonalen Abstufungen, die sich kaum auf eine Leinwand übertragen lassen. 2013 widmete das Istituto Centrale per la Grafica in Rom seinem druckgrafischen Werk eine Ausstellung und hob damit die Breite dieser Forschung hervor. Um einen Druck von Hartung zu verstehen und zu katalogisieren, ist es wichtig, das für die jeweilige Auflage dokumentierte Verfahren zu bestimmen, ohne einen Originaldruck mit der Reproduktion eines Gemäldes zu verwechseln.

Internationale Anerkennung

Der Große Preis für Malerei auf der Biennale von Venedig 1960 bestätigte Hartungs zentrale Rolle in der internationalen Kunstszene. Sein Werk steht im Dialog mit dem europäischen Informel und der lyrischen Abstraktion, bewahrt jedoch eine eigene, unverkennbare Handschrift, die sich in der Spannung zwischen kompositorischer Strenge und gestischer Intensität zeigt. Bis in seine letzten Jahre, die er in Antibes verbrachte, wo er 1989 starb, suchte er weiter nach neuen Möglichkeiten im Umgang mit Materialien und Werkzeugen. Sein Vermächtnis besteht nicht nur aus einem Repertoire kraftvoller Zeichen: Vor allem ist es die Idee, dass jede Linie, selbst die einfachste, das Ergebnis einer komplexen Beziehung zwischen Körper, Technik, Zeit und Raum sein kann.