ACCARDI Carla

Carla Accardi (Trapani, 1924 – Rom, 2014) war eine der wichtigsten Vertreterinnen der italienischen Abstraktion in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als Mitbegründerin der Gruppe Forma 1 entwickelte sie eine eigenständige Bildsprache, die auf Zeichen, Rhythmen und Farbverhältnissen beruht. Von den schwarz-weißen Kompositionen der 1950er-Jahre über Werke in intensiven Farben bis hin zu Experimenten mit transparenten Materialien stellte ihre Forschung die traditionellen Grenzen der Malerei immer wieder infrage. Die Werke von Carla Accardi zeigen keine erkennbaren Gegenstände oder Landschaften, sondern schaffen vielmehr einen autonomen Bildraum, in dem sich die Formen scheinbar bewegen und verändern. Ihr Beitrag zur zeitgenössischen Kunst liegt gerade in ihrer Fähigkeit, die abstrakte Bildsprache zu erneuern, ohne auf eine sofort erkennbare künstlerische Identität zu verzichten.

Carla Accardi: Biografie und künstlerische Ausbildung

Carla Accardi wurde am 9. Oktober 1924 in Trapani geboren. Nach ihrer klassischen Schulbildung wandte sie sich der Malerei zu und besuchte die Accademia di Belle Arti in Palermo, bevor sie ihre Ausbildung in Florenz fortsetzte.

Ihre Jugend fiel in die Zeit des Zweiten Weltkriegs und die schwierige Phase des Wiederaufbaus. Für viele junge italienische Künstler bot die Nachkriegszeit auch die Gelegenheit, die Bedeutung der Kunst und das Verhältnis zu den europäischen Avantgarden grundlegend zu überdenken.

1946 zog Accardi gemeinsam mit dem Maler Antonio Sanfilippo nach Rom, den sie 1949 heiratete. In der Hauptstadt kam sie mit Künstlern und Intellektuellen in Kontakt, die traditionelle figurative Vorbilder überwinden und eine neue Bildsprache entwickeln wollten.

Rom wurde zum Zentrum ihrer Tätigkeit und zum Ort, an dem sich eine Forschung herausbildete, die sich über mehr als sechzig Jahre entfalten sollte.

Von Beginn an zeigte Accardi ein besonderes Interesse an der Autonomie der Malerei. Ihr Ziel war nicht, die Wirklichkeit getreu wiederzugeben, sondern die Ausdrucksmöglichkeiten von Formen, Zeichen und Farben zu erkunden.

Diese Entscheidung bildete den Ausgangspunkt eines Weges, auf dem das Experimentieren niemals aufhörte, während zugleich eine starke stilistische Kontinuität gewahrt blieb.

Die Gruppe Forma 1 und die italienische Abstraktion

1947 war Carla Accardi gemeinsam mit Ugo Attardi, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo und Giulio Turcato an der Gründung der Gruppe Forma 1 beteiligt.

Die Gruppe entstand in einer besonders intensiven Phase der italienischen Kunstdiskussion, die vom Spannungsverhältnis zwischen figurativer Malerei, oft mit sozialem Realismus verbunden, und neuen abstrakten Ansätzen geprägt war.

Die Künstler von Forma 1 vertraten die Notwendigkeit einer autonomen künstlerischen Sprache, in der Linien, Farben und Formen unabhängig von der Darstellung erkennbarer Motive Ausdruckskraft entfalten können.

Ihr Manifest bekannte sich zu einer formalistischen Position, die im Dialog mit den politischen und kulturellen Ideen der Nachkriegszeit stand, sich jedoch dagegen wandte, die Kunst einer illustrativen Funktion unterzuordnen.

Accardi war die einzige Frau unter den Unterzeichnern des Manifests. Ihre Teilnahme war ein entscheidender Moment ihrer künstlerischen Ausbildung und markierte den Beginn eines Weges, der sie zu einer zentralen Figur der europäischen Abstraktion machen sollte.

1948 nahm sie zum ersten Mal an der Biennale von Venedig teil und begründete damit ihre Verbindung zu einer der wichtigsten internationalen Veranstaltungen für zeitgenössische Kunst.

Die Erfahrung mit Forma 1 bestärkte sie in der Überzeugung, dass Malerei eine autonome Wirklichkeit schaffen kann, die auf den Beziehungen zwischen den einzelnen Kompositionselementen beruht.

Die Zeichen von Carla Accardi: Malerei als Sprache

Eines der markantesten Merkmale der Werke von Carla Accardi ist der Einsatz von Zeichen.

In ihren Kompositionen finden sich Formen, die an Buchstaben, Symbole oder Fragmente einer unbekannten Schrift erinnern können. Es handelt sich jedoch nicht um Zeichen eines Alphabets, das es zu entziffern gilt.

Accardis Zeichen sollen keine Wörter oder eindeutigen Botschaften vermitteln: Ihre Bedeutung entsteht dadurch, wie sie sich auf der Oberfläche anordnen, wiederholen, miteinander verschränken und verändern.

In den 1950er-Jahren entwickelte die Künstlerin eine Malerei, die vor allem vom Kontrast zwischen Schwarz und Weiß geprägt war.

Die Kompositionen dieser Zeit weisen komplexe Strukturen auf, in denen die Zeichen scheinbar aus dem Hintergrund hervortreten, um sich anschließend wieder mit ihm zu vermischen. Der Blick folgt den Formen, ohne unbedingt einen Ausgangspunkt oder eine eindeutige Richtung zu erkennen.

Die Bildfläche wird zu einem Raum, der von Bewegungen und Spannungen durchzogen ist.

In diesen Arbeiten lassen sich zwar Ähnlichkeiten mit einigen Strömungen der informellen Kunst erkennen, doch Accardi bewahrt ihre eigene Identität, die auf der Kontinuität des Zeichens und der rhythmischen Organisation der Komposition beruht.

Der französische Kritiker Michel Tapié interessierte sich für ihre Arbeit und trug dazu bei, sie in die internationale Kunstdiskussion einzubringen.

Accardis Malerei ist also keine bloße dekorative Übung. Durch die Wiederholung und Veränderung der Zeichen schafft die Künstlerin eine Sprache, die Empfindungen von Bewegung, Gleichgewicht und Instabilität hervorruft.

Farbe in den Werken von Carla Accardi

Anfang der 1960er-Jahre gewann die Farbe in Carla Accardis künstlerischer Forschung wieder eine zentrale Bedeutung.

Nach den überwiegend monochromen Kompositionen setzte die Künstlerin zunehmend intensive Farbkombinationen ein und veränderte damit grundlegend die Wahrnehmung ihrer Zeichen.

Rosa, Rot, Grün, Hellblau und weitere leuchtende Farbtöne treten durch Kontraste und Überlagerungen miteinander in Beziehung und verleihen den Werken eine neue visuelle Energie.

Die Farbe dient nicht dazu, Gegenstände oder Umgebungen zu beschreiben. Sie wird selbst zu einem der Elemente, aus denen die Komposition entsteht.

Ein Zeichen kann leicht oder kraftvoll, nah oder fern wirken, je nachdem, welche Farbe es umgibt und wie es sich zu den anderen Elementen verhält.

In den Werken dieser Zeit erhält der malerische Rhythmus oft einen beinahe musikalischen Charakter. Die Formen scheinen sich wie Sequenzen abzuwechseln und schaffen Zwischenräume, Beschleunigungen und Pausen.

So zeigt Accardi, dass Abstraktion auch ohne erkennbare Bilder ein unmittelbares Erlebnis hervorrufen kann.

Farbe und Zeichen wirken direkt auf die Wahrnehmung und laden die Betrachtenden dazu ein, die Beziehungen innerhalb des Werks zu beobachten.

Sicofoil und die Zelte: über die Grenzen des Bildes hinaus

Eine der wichtigsten Neuerungen von Carla Accardi war der Einsatz von Sicofoil, einem transparenten Kunststoffmaterial, das die Künstlerin ab den 1960er-Jahren verwendete.

Dieses Experiment veränderte das traditionelle Verhältnis zwischen Malerei und Bildfläche.

In den auf transparenten Trägern entstandenen Werken treten die gemalten Zeichen in einen Dialog mit dem Licht und mit dem, was sich hinter dem Material befindet. Der Hintergrund ist nicht länger notwendigerweise eine undurchsichtige, unbewegliche Fläche, sondern kann auch den umgebenden Raum einbeziehen.

So tritt die Malerei in Beziehung zu ihrer Umgebung.

Aus dieser Forschung entstanden die berühmten Zelte: Konstruktionen, in denen bemalte transparente Flächen zu dreidimensionalen Formen angeordnet sind.

Mit Zelt von 1965 und Dreifaches Zelt von 1969 überwand Accardi die Vorstellung vom Bild als ausschließlich frontal wahrnehmbarer Darstellung.

Die Betrachtenden begegnen einem Werk, das Raum einnimmt und aus verschiedenen Blickwinkeln wahrgenommen werden kann.

Transparenz, Licht und die Anordnung der Zeichen verändern das visuelle Erlebnis fortlaufend.

Die Zelte gehören zu den originellsten Momenten ihres Schaffens und zeugen von der Fähigkeit der Künstlerin, die Trennung zwischen Malerei, Bildhauerei und Umgebung infrage zu stellen.

Die Werke von Carla Accardi: Gemälde, Arbeiten auf Papier und grafisches Werk

Carla Accardis künstlerisches Werk umfasst Gemälde auf Leinwand, kunstdrucke, Experimente mit Kunststoffträgern und grafische Arbeiten.

Trotz der Vielfalt an Techniken und Materialien bleiben einige Elemente beständig: das Zeichen, der Rhythmus, das Verhältnis zwischen Farbe und Oberfläche sowie die Suche nach einem dynamischen Gleichgewicht der Formen.

In den Gemälden der 1950er-Jahre verdichten und verschränken sich die Zeichen zu Kompositionen, in denen die Unterscheidung zwischen Figur und Hintergrund verschwimmt.

Mit der Rückkehr der Farbe gewinnen diese Formen neue Lebendigkeit. Sie breiten sich aus, überlagern einander und scheinen sich auf der Oberfläche zu bewegen, wodurch sich das Bild in ein Gefüge von Farbverhältnissen verwandelt.

Die kunstdrucke ermöglichen es, die Sprache der Künstlerin aus einer anderen Perspektive zu betrachten, in der die Anordnung der Zeichen und ihr Verhältnis zu den Leerstellen oft besonders deutlich hervortreten.

Auch in ihrem grafischen Werk entwickelte Accardi Kompositionen, die mit ihrer malerischen Forschung verbunden sind. Die Formen, die an imaginäre Schriften erinnern, die rhythmischen Sequenzen und die Farbkontraste kehren in Werken mit einer starken visuellen Identität wieder.

Insbesondere in den Siebdrucken kann das Verhältnis zwischen Zeichen und Farbe große Intensität gewinnen. Die Formen heben sich von der Oberfläche ab und treten durch Überlagerungen, Zwischenräume und Kontraste miteinander in Dialog. So entstehen Effekte von Bewegung und Tiefe.

Das grafische Werk ist somit kein fremdes Kapitel ihres künstlerischen Schaffens, sondern eröffnet die Möglichkeit, einige der grundlegenden Themen ihrer Poetik in Werken mit unterschiedlichen Formaten und Eigenschaften wiederzufinden.

Von den großen Leinwänden bis zu den Kompositionen auf Papier bewahrt Carla Accardis Werk die Fähigkeit, eine Ansammlung abstrakter Zeichen in ein lebendiges Bild zu verwandeln, in dem der Blick immer neue Beziehungen zwischen Formen, Farben und Räumen entdeckt.

Carla Accardi und der Feminismus

Carla Accardi nimmt auch in der Geschichte der Emanzipation der Frauen und des italienischen Feminismus eine wichtige Stellung ein.

1970 war sie gemeinsam mit Carla Lonzi und Elvira Banotti an der Gründung von Rivolta Femminile beteiligt, einer der bedeutendsten Gruppen der italienischen Frauenbewegung.

Ihre Teilnahme fand in einem kulturellen Umfeld statt, in dem Frauen mehr Unabhängigkeit von traditionellen Rollen und den vorherrschenden gesellschaftlichen Strukturen forderten.

Für Accardi war Unabhängigkeit auch in der künstlerischen Arbeit ein grundlegendes Prinzip.

Schon zu Beginn ihrer Laufbahn hatte sie sich in einem überwiegend männlich geprägten Umfeld einen eigenen Weg gebahnt und nach und nach eine eigenständige, unverwechselbare Bildsprache entwickelt.

Ihre Malerei lässt sich jedoch nicht als bloße visuelle Übersetzung feministischer Ideen verstehen.

Accardi hielt ihre künstlerische Forschung und ihr kulturelles Engagement auseinander und setzte sich weiterhin anhand von Formen, Materialien und Farben mit den Möglichkeiten der Malerei auseinander.

Diese Eigenständigkeit macht ihre Stellung in der italienischen Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts besonders bedeutend.

Die späteren Forschungen und die internationale Anerkennung

In den 1980er-Jahren widmete sich Carla Accardi wieder verstärkt der Malerei auf Leinwand und entwickelte neue Kompositionen mit stets wechselnden Zeichen, Farben und räumlichen Beziehungen.

Auch in den folgenden Jahrzehnten setzte sie ihre Arbeit mit großformatigen Werken, Diptychen und Triptychen fort, in denen sich die abstrakte Bildsprache ständig weiterentwickelte.

Obwohl Accardi auf Elemente früherer Arbeiten zurückgriff, beschränkte sie sich nicht darauf, ihre eigenen formalen Lösungen zu wiederholen.

Die Zeichen änderten Größe und Anordnung, die Farbverhältnisse entwickelten sich weiter und die Bildfläche wurde zum Schauplatz stetiger Experimente.

1988 präsentierte sie einen eigenen Ausstellungsraum auf der Biennale von Venedig und bestätigte damit die zentrale Bedeutung ihrer Arbeit in der italienischen Kunstszene.

Ihre internationale Anerkennung wuchs durch weitere Ausstellungen, die ihrem Werk gewidmet waren, darunter Präsentationen im MoMA PS1 in New York und im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

Carla Accardi starb am 23. Februar 2014 in Rom.

2024 widmete ihr der Palazzo Esposizioni Roma anlässlich ihres hundertsten Geburtstags eine große Retrospektive, die die verschiedenen Phasen einer von Kontinuität und Experimentierfreude geprägten Laufbahn nachzeichnete.

Carla Accardi: Preisentwicklung und Kunstmarkt

Die Werke von Carla Accardi nehmen auf dem italienischen Kunstmarkt der Nachkriegszeit einen bedeutenden Platz ein, sowohl aufgrund der historischen Rolle der Künstlerin als auch wegen der Originalität ihrer abstrakten Forschung.

Ihr Werk umfasst verschiedene Kategorien, von historischen Gemälden über kunstdrucke bis hin zu grafischen Arbeiten, die sich in ihren Merkmalen und Marktwerten unterscheiden.

Die Preise für Werke von Carla Accardi variieren je nach Entstehungszeit, Technik, Größe, Provenienz und Dokumentation des Werks.

Besondere Aufmerksamkeit gilt Arbeiten, die entscheidende Momente ihrer Forschung bezeugen, etwa den Zeichenkompositionen der 1950er-Jahre, den Farbeexperimenten und den Werken auf transparenten Materialien.

Neben Gemälden und Unikaten ist das grafische Werk ein weiterer Bestandteil ihres Schaffens, der von allen geschätzt wird, die die Sprache der italienischen Abstraktion kennenlernen und sammeln möchten.

Die Bewertung jedes einzelnen Werks erfordert jedoch eine spezifische Analyse. Dabei dürfen die Ergebnisse der bedeutendsten Werke nicht mit denen anderer Kategorien gleichgesetzt werden.

Carla Accardis historische Bedeutung liegt vor allem darin, dass sie die abstrakte Malerei grundlegend erneuerte und über mehr als sechzig Jahre eine eigenständige und unverwechselbare künstlerische Forschung entwickelte.

Ihre Werke zeugen bis heute von einer der originellsten Strömungen der italienischen Gegenwartskunst, in der Zeichen und Farbe zu Instrumenten fortwährender visueller Erfindung werden.